Una entrevista a Gustavo Tobar (Licenciado en Psicología) ¿ Por que los adolescentes consumen drogas?

¿Qué cree que lleva a un adolescente a drogarse?

Antes que nada me parece que es importante aclarar algunos términos para diferenciar de qué estamos hablando cuando decimos que un adolescente se droga y cuales pueden ser sus motivos.

Cuando pienso en por qué puede drogarse un adolescente pienso en el uso de drogas y no tanto en el abuso o la dependencia a las mismas. Si hablamos de uso (experimental, ocasional), puede consumir drogas por curiosidad, para animarse a hacer cosas (por caso el efecto desinhibitorio del alcohol), por sentido de pertenencia al grupo del que forma parte (sea mediante presión explicita o auto exigencia), por aburrimiento, para alejarse de los problemas ante los que no encuentra una manera más eficaz de afrontarlos, buscar los efectos farmacológicos de la droga consumida (hecho que también está bastante relacionado con las expectativas propias que se tienen de los efectos posibles), la búsqueda de soluciones rápidas, etc.

Mientas que en los casos en que hablamos de abuso o dependencia ya entran a jugar otros factores que tienen que ver con una personalidad con rasgos adictivos que puede pre-existir a la conducta del consumo, una familia con determinadas características adictivas sumado a la conducta adictiva propiamente dicha.

¿Reconoce dentro del cole algún grupo más propenso a drogarse?

Es muy difícil poderdetectar precozmente un grupo más propenso a drogarse. Así mismo me parece que habrá grupo que pueden estar más expuesto que otros, pero aún así no significa que vayan a drogarse. Como les decía recién, son varios los factores que pueden intervenir en que alguien consuma drogas o no lo haga, y las conductas a través de las cuales se expresan en la escuela cualquier alumno o grupo no me parece indicio suficiente para poder adelantar un juicio sobre si van a consumir drogas.

Pero si me parece que en general, el hecho de estar cursando por la adolescencia en esta época en particular, ya los pone en una posición de mayor vulnerabilidad con respecto a otros grupos de edades.

Digo en esta época, porque la postura social que existe sobre el consumo de determinadas drogas no es la misma que hace 10 años atrás. Y cuando digo esto no solo me refiero a lo que comúnmente se conoce como drogas "ilegales", me refiero también al alcohol, el tabaco y algunos medicamentos. Por ejemplo, hace diez años atrás era bastante difícil encontrar chicos de 12, 13 o 14 años consumiendo alcohol públicamente, si quizás a escondidas, pero como una trasgresión. Hoy por hoy un buen número de estos chicos se inicia en el consumo de alcohol, aún cuando no sea un consumo problemático y si más experimental, en estas edades.

Y me refiero también a la adolescencia porque existe en esa edad más avidez por cuestiones que tienen que ver con la necesidad de experimentación y desafió, la curiosidad, los problemas más existenciales relacionados con la convulsividad de la adolescencia en sí, por todos los importantísimos cambios que se están dando en cada uno de ustedes, y también me parece que influye el cuestionamiento u oposición, definitiva o temporaria, de los valores adultos (en este caso puntual referido a la posición de los adultos frente al consumo de drogas).

¿Cómo se acercó a esta problemática?

Desde la época en que hice la tesis para la licenciatura en Psicología, ya empezaba a interesarme esto. Incluso mi tesis se refirió a una aproximación a las imágenes y significados que los adolescentes tenían del consumo de alcohol. Trabajo que realice en la escuela a través de entrevistas con chicos de todas las edades.

Después fui formándome, más por interés y curiosidad en el tema, hasta que finalmente comencé hace un par de años a trabajar en una Asociación que se dedica a la prevención y el tratamiento de personas drogodependientes (adolescentes y adultos), trabajo que actualmente sigo desarrollando.

¿Hay algún tipo de estudio o censo sobre adicciones en el cole?

Hace un par de años hicimos, junto a un grupo de personas que nos interesaba trabajar sobre prevención en la escuela, una encuesta sobre el consumo de drogas, pero no le daría el título de "estudio". Que yo sepa esto es lo único que existe.

¿Qué opinión tenés sobre el consumo de drogas en los adolescentes?

No tengo una postura condenatoria, sino más bien de alerta.

Me parece que se están "naturalizando" ciertos consumos, y pienso básicamente en el alcohol y la marihuana, en esta época entre los adolescentes.

Digo de alerta porque creo que en muchos casos se busca el efecto farmacológico de algunas drogas no tanto con fines de experimentación sino como medio para resolver problemas, por ahí problemas propios de la edad. Por ejemplo, me despierta alerta que alguien consuma alcohol para estar más en sintonía (con pilas o desinhibido para enfrentar la situación de relacionarse con otros) a la hora de salir a bailar. Porque me parece diferente el uso experimental, al de no poder enfrentar esa misma situación de esparcimiento y disfrute por los medios naturales sin necesitar el apoyo de la sustancia.

¿Cuál cree que es la droga de más fácil acceso para los adolescentes?

Creo que las drogas de más fácil acceso son la nicotina, el alcohol y la marihuana.

Gustavo R. Tobar

Lic. en Psicología

Terapeuta en Asociación ProgramaCambio

Por que mi hijo consume drogas..

El problema a trabajar "las creencias que tienen los alumnos del Manuel Belgrano sobre qué lleva a un adolescente a consumir drogas", será analizado desde una mirada sociológica, específicamente la perspectiva de Pierre Bourdieu.

El autor plantea dos conceptos fundamentales de abordaje: campo y habitus.

El campo podría ser definido como: el espacio de juego donde actúan diversos agentes sociales, diferenciados entre sí por su posición, el capitaldel que disponen y sus intereses. Bourdieu define a los campos sociales como "… espacios de juego históricamente constituidos con sus instituciones específicas y sus leyes de funcionamiento propias…"

Capital es el bien escaso que está en juego en un campo. Dentro de éste los agentes sociales se relacionan, es decir "juegan" buscando el bien preciado. Bourdieu reconoce la existencia de otros tipos de capital, además del económico. Uno de ellos el capital cultural; es decir, el conocimiento que tiene un agente social sobre diferentes temas.

Esto condiciona el desempeño académico del individuo en cuestión. Para Bourdieu "…está ligado a conocimientos, ciencia, arte, y se impone como una hipótesisindispensable para rendir cuenta de las desigualdades de las performances escolares…"

Bourdieu define al capital social como "…la pertenencia a un grupo, como conjunto de agentes que no sólo están dotados de propiedades comunes (…) sino que también están unidos por lazos permanentes y útiles…". Es decir, cuando un individuo se identifica con los demás por compartir características (Intereses y objetivos). Respecto a capital simbólico dice: "..propiedad que, porque responde a "expectativas colectivas" , socialmente constituidas, a creencias, ejerce una suerte de acción a distancia, sin contacto físico…". Según Bourdieu el individuo se "forja" una imagen que es percibida por los agentes sociales.

El interés está relacionado con el capital en juego en cada campo específico; Bourdieu dice que "…todo campo, en tanto que producto histórico, engendra y activa una forma específica de interés (…) que es la condición de su propio funcionamiento…".

La posición es el lugar que ocupa un agente social en cada campo. Las posiciones diferentes se forman a causa de la desigual distribución de los bienes, es decir, del reparto desigual del capital en juego.

El habitus es en principio de generación y de percepción de las prácticas sociales, es decir, forma y ordena la opinión de los individuos. Permite apreciar las prácticas propias y las de los demás agentes. Bourdieu afirma: "…en tanto estructura estructurante, el habitus se constituye en un esquema generador y organizador, tanto de las prácticas sociales como de las percepciones y apreciaciones de las propias prácticas y de las prácticas de los demás agentes….".

A continuación pasaremos a explicar los diferentes factores que Pablo Rossi identifica como posibles causantes de la drogodependencia en la adolescencia.

Para empezar, hablaremos de lo que él identifica como factores de riesgo que podrían ser definidos como todo aquello que constituye posibles causas para que un individuo se drogue. Pablo Rossi lo conceptualiza de esta manera: "…Se considera factor de riesgo a todo elemento o causa que incide o determina que un individuo comience a ingerir drogas…". Estos factores no determinan por sí solos el consumo de drogas en un adolescente, sino que contribuyen a aumentar la vulnerabilidad que tiene un joven de caer en la drogadicción. Rossi dice al respecto que "…los factores de riesgo no deben ser tomados como causal directa de la adicción sino como un componente que aumenta el riesgo de caer en drogodependencia…".

El autor distingue tres tipos de factores de riesgo: los clasifica en factores individuales, familiares y sociales. Dentro de los primeros se encuentra la curiosidad por experimentar con las drogas, a pesar de conocer los efectos perjudiciales de las mismas. Rossi se refiere a la curiosidad al decir: "…

En el caso de las drogas, cualquier adolescente ha escuchado hablar del peligro que implican; sin embargo, el curioso insaciable necesita experimentar personalmente con ellas y desoye cualquier tipo de recomendación…".

Otro factor es la búsqueda de experiencias placenteras, refiriéndose a esta actividad como el hecho de terminar en una situación de dependencia de las drogas por tratar de evitar o evadir las frustraciones del día a día. Podemos percibir esto en las palabras del autor cuando afirma que "…El desasosiego que provocan las presiones de la vida diaria, las carencias y los acontecimientos frustrantes llevan a desear la búsqueda de soluciones mágicas. La droga aparece en este caso como un medio para lograr experiencias placenteras, que aflojen las tensiones y gratifiquen…".

El sentido de pertenencia es otro de los condicionantes, porque el deseo de pertenecer a un grupo social podría llevar a un joven a imitar las prácticas de los demás para sentirse aceptado. En este sentido, Pablo Rossi explica que "…En el proceso de madurez de la persona, aparece la necesidad de estar integrado a una comunidad que apruebe sus acciones. La presión de los pares (…) la lleva a probar la droga porque "lo hacen los otros" o "para no sentirse repudiado"…". También afirma que "La posibilidad de consumir drogas es diez veces mayor cuando los adolescentes tienen amigos usuarios…".

Un adolescente también podría drogarse simplemente como una manera de demostrar rebeldía contra las normas. Rossi sostiene que "…Un adolescente que no tiene claras las pautas de convivencia, que ostenta con un comportamientoagresivo sin medir las consecuencias de sus actos, ingresa al mundo de las drogas en busca de una demostración total y definitiva de su rebeldía…"

Otro factor de riesgo es el deseo de experimentar sensaciones peligrosas, que lleven al adolescente a una situación extrema y a tener la ilusión de que al volver, las adversidades se habrán disipado. Pablo Rossi dice al respecto: "…No es que exista el deseo de suicidarse, pero sí el de llegar a situaciones límite que generen la ilusión de renacer a una vida mejor. Cuando pasa el momento de riesgo y el joven comprueba que salió indemne, advierte que con este acto no ha logrado cambiar la realidad que lo mortifica. Entonces le surgen dudas sobre si ése fue realmente su límite y aparece el deseo de un nuevo desafío…". Con esto agrega que el adolescente, luego de experimentar aquella situación límite, siente un renovado deseo por ir más allá.

Palo Rossi sostiene que el deseo de independenciaes otro de los factores. Con esto se refiere a la opresión que sienten los jóvenes que no pueden respetar normas y pautas de comportamiento. Debido a esto podrían buscar en el consumo de drogas una manera de encontrar libertad e independencia. El autor se refiere a esto cuando dice: "…Un joven que no está preparado para aceptar pautas de conducta y respetar normas busca la manera de sustituir las formas sociales de control y autoridad por otras en las que pueda dar rienda suelta a sus deseos. Es así como entra en el ámbito de la droga …"

Por último se encuentra el deseo de evadirse de la realidad. Pablo Rossi dice que "…Cuando los padres no cumplen la función de fraguar los modelos a seguir (…), el joven huye de su entorno familiar para refugiarse en una pseudofamilia marginal en la creencia de que la droga le va a proporcionar el encuentro con la estabilidad que ansía.

Con ello trata de ignorar su dolorosa realidad y consigue una identidad pobre y distorsionada que lo lleva a renunciar a un proceso madurativo normal…". Es decir, un joven que enfrenta una realidad hostil y carece de contención familiar podría caer en la drogadicción esperando encontrar de esta forma estabilidad en su vida.

Otro tipo de factores de riesgo son los factores familiares. Están relacionados con las deficiencias en la comunicación entre padres e hijos, y con la incapacidad de los primeros para establecer pautas de comportamiento. Sobre esto, Rossi afirma que "…la mala calidadde las relaciones entre padres e hijos, la ausencia de comunicación, las desavenencias, la incapacidad para comprender, y la debilidad o indiferencia para marcar pautar claras de comportamiento traen aparejado un factor de riesgo importante que puede desembocar en la adicción de un adolescente…".

Por otra parte, los malos ejemplos por parte de los padres o la ausencia de bueno modelos a seguir podría transformarse en un factor de riesgo.

En relación a esto, Pablo Rossi dice que "…Tan peligroso como la falta de modelos son los ejemplos inadecuados. Cuando los padres fuman, beben, toman somníferos o anfetaminas, están enviando un mensaje que el chico traduce como una autorización implícita para utilizar cualquier tipo de sustancias que ayude a vivir…".

El último tipo de factores de riesgo son los sociales. Aquí el riesgo se encuentra de forma cotidiana en la calle, ya que hoy en día las drogas estás al alcance de cuanlquier adolescente. El autor dice al respecto: "…la droga está en la calle, en las escuelas, en los clubes, en los lugares de diversión que frecuentan los jóvenes…".

Además, hay una fuerte y constante influencia de los medios de comunicación masivos que fomentan malos hábitos. Rossi explica: "…fuera del ámbito de las relaciones personales, una influencia de enorme importancia es la que ejercen los medios de comunicación. La difusión masiva y al instante de hechos de características perversas no siempre se realiza con un criterio adecuado…"

Percepción del alumnado del el uso de drogas en adolescentes

En este apartado hablaremos sobre la percepción que tienen los alumnos sobre el uso de drogas en los adolescentes, también sobre su postura frente a los jóvenes que se drogan; así como las creencias sobre un posible reconocimiento social que otorgan estas prácticas.

En la pregunta Nº 6 (¿qué opinión tenés acerca del consumo o uso de drogas en los adolescentes?), 15 encuestados (23%) respondieron que "esta mal", mientras que 13 alumnos (20%) respondieron que las drogas "te arruinan la vida".

El 14.1% de los encuestados (nueve alumnos) se muestran indiferentes en esta pregunta; y 4 encuestados (6%) tienen una actitud discriminativa sobre los drogadictos. Hay un 16% de los encuestados (10 alumnos) que piensan que no hay campañas para prevenir el consumo de drogas. Hay porcentajes muy reducidos de entre un 2% y un 3% (1 o 2 encuestados) que corresponden a respuestas como "el consumo es una forma de evadir", "el consumo me gusta", "se drogan para llamar la atención", "se drogan para entrar en un grupo" y los que se abstuvieron de dar una respuesta.

La postura de Gustavo Tobar (Licenciado en Psicología) sobre el tema es mas alerta que condenatoria. Él cree que se están "naturalizando" algunos consumos (especialmente marihuana y alcohol) entre los adolescentes.

Un tren al descontrol .- borrachos en la adolescencia..

Adolescentes borrachos y todo tipo de excesos caracterizan los festejos de fin de año de los estudiantes. Imágenes de una celebración vergonzosa y sin ningún límite

Los chicos suelen desquitarse a gusto cuando terminan los estudios. Pero en los últimos años las tradicionales fiestas de egresados se transformaron en un acontecimiento en que se mezclan todo tipo de desbordes.

Las borracheras, las peleas y el desenfreno representan un peligroso cóctel para despedir una etapa que debería atemperar los ánimos, más que exaltarlos.

Usted puede observar, en las imágenes adjuntas, los festejos que protagonizaron los chicos de una escuela de esta capital y que bautizaron el "tren de la alegría".

“Los chicos buscan durante todo el año juntar dinero para hacer su fiesta de Egresados. El colegio te hace una despedida, entregan las medallas y punto. Alquilan el boliche y dentro del mismo boliche te ofrecen el 'tren de la alegría'. En el caso nuestro era en los Arcos de Palermo”, relató una madre de una alumna egresada.

“Las madres revisaron el tren y no había nada de alcohol”, explica.

Según contó, lo que hicieron los egresados fue comprar alcohol y cargarlo en los autos. Se bajaron en los bosques cerca del los Arcos de Palermo y ahí se emborracharon.

“Una madre y yo nos metimos en el boliche. A una de las chicas tuvieron que reanimarla y a otra tuvieron que llevarla al hospital por lo descompuesta que estaba”.

En tanto, Germán Fernández, director general del SAME afirmó que durante la madrugada recibieron dos llamados por ingesta excesiva de alcohol. Una fue en una despedida de fin de año de trabajo y otro una chica en un boliche en Peru 500

“En estas fechas aumentan los casos” afirmó Fernández.

Los efectos en los jovenes

Según la Organización Mundial de la Salud (OMS), cualquier consumo de alcohol durante las edades correspondientes a la adolescencia se considera abusivo. El alcohol es una sustancia que no aporta ningún nutriente, sólo calorías vacías (7,1 kilocalorías por gramo), y tiene efectos nocivos sobre el apetito, el aparato digestivo, el hígado y el sistema nervioso. La ingestión incluso moderada (equivalente a dos vasos de vino o botellines de cerveza diarios) tiene una repercusión importante sobre el equilibrio nutricional y, en consecuencia, sobre el crecimiento y el desarrollo.

Este efecto perjudicial se da sobre todo a través de dos mecanismos: reducción en la ingesta de alimentos y modificaciones en la biodisponibilidad de vitaminas y minerales como el ácido fólico, la vitamina B12, la tiamina o B1, la riboflavina o B2, la niacina o B3, la piridoxina o B6, el cinc, el magnesio, el calcio y las vitaminas, A, D, K y C o ácido ascórbico. El consumo de alcohol perjudica la absorción o estimula la destrucción de dichos nutrientes.

Las vitaminas del grupo B, especialmente la tiamina y el ácido fólico, están directamente implicadas en los mecanismos de transmisión nerviosa. La deficiencia de tiamina reduce la velocidad de conducción de la transmisión de la información en determinados nervios. Si el adolescente consume habitualmente bebidas alcohólicas (tanto consumo diario como de fin de semana) o, en el peor de los casos, acaba desarrollando una adicción, la deficiencia nutricional vitamínica (propiciada por los efectos en el cerebro del consumo temprano de bebidas alcohólicas) se suma a los efectos tóxicos del etanol. Esta situación puede provocar neuropatía, daño nervioso irreparable.

El consumo de alcohol también está asociado a un déficit cognitivo que empeora a lo largo del tiempo, sobre todo si dicho consumo prosigue hasta la adolescencia tardía. Es algo que se ha constatado en pruebas de memoria verbal y no verbal, en las cuales las personas bebedoras obtienen unos resultados significativamente peores que las abstemias.


Las deficiencias nutricionales secundarias derivadas del consumo crónico de alcohol (sobre todo la deficiencia de vitamina E) conduce, junto con la influencia directa del etanol sobre las células del sistema de defensas, a alteraciones de la respuesta inmune, haciendo a la persona más susceptible a infecciones. Además, beber habitualmente alcohol altera la concentración de proteínas en la sangre producidas por el hígado (albúmina, transferrina, lipoproteínas) y que están implicadas en multitud de funciones importantes como el transporte del hierro o del colesterol en la sangre. Asimismo, aumentan los requerimientos de proteína diaria provenientes de la dieta.

Factores implicados en los efectos
Los factores que influyen sobre los efectos que tiene el alcohol en cada individuo son diversos, como la graduación de la bebida (cuanto mayor sea, más rápido se absorbe), la cantidad que se ingiere, el momento del día (es más perjudicial con el estómago vacío) o la mezcla con bebidas gaseosas o estimulantes con tiramina, histamina o cafeína, que pueden provocar serios problemas de salud como hipertensión arterial. Otros factores que también afectan son el estado de salud y las condiciones físicas y psicológicas, así como el estado de ánimo. Las chicas presentan una peor tolerancia debido a que tienen una menor proporción de agua corporal que los chicos y una mayor cantidad de tejido graso donde se fijan las sustancias nocivas.


Los antecedentes

El estudio sociológico de Eusebio Megías constata que España es un país donde desde siempre se ha bebido mucho alcohol. Los menores se han criado en un contexto sociocultural en el que la presencia del alcohol forma parte del «estado natural de las cosas». En la actualidad, el acceso a las bebidas alcohólicas ha dejado de residir sólo en el ámbito familiar, como venía sucediendo en nuestro país hasta hace pocas décadas, y se ha situado en espacios ajenos a la familia.

Para el adolescente de hoy beber significa tomar sus bebidas singulares en un entorno fuera del control de los adultos. Lo asocian a diversión, desinhibición, alegría, amistad y éxito. Aunque no sea la forma más significativa de consumir, el 'botellón' es la que más ha trascendido y la que puede encarnar el papel de las bebidas como articulador de ocio. Además, el alcohol es muy fácil de conseguir, ya que existen escasas restricciones de compra para los menores. Pese a los teóricos impedimentos legales, y según el Plan Nacional Sobre Drogas (PNSD), el 93,8% de los escolares españoles cree que obtener alcohol es fácil o muy fácil. La cerveza, y especialmente los licores y otras bebidas de alta graduación como el 'whisky', el coñac, el ron o la ginebra combinados o solos, constituyen las bebidas más populares.

Lo que hay que saber si mi hijo ha sido atrapado por las drogas

Preguntas más frecuentes de los padres sobre el consumo de drogas de los hijos adolescentes.

¿Y si descubrimos utensilios de consumo y señales físicas?
Entre sus pertenencias aparecen instrumentos y restos de los consumos que realiza: cucharillas, pipas especiales, jeringuillas, papel de aluminio, botellas vacías, restos de sustancias… y signos físicos en su organismo: señales de pinchazos, alteraciones en el tabique nasal…

¿Qué es lo primero que tenemos que hacer si tenemos cierta seguridad de que consume?
Lo primero que hay que conseguir es el reconocimiento por parte del mismo de su situación de consumo. Para ello mantener una postura serena y tranquila, que no incapacite para tomar decisiones importantes será el primer requisito a tener en cuenta. La angustia provocada por la sensación de impotencia no conduce más que a la pérdida de control de la situación y al desgaste de energías, necesarias para afrontar adecuadamente el problema.

¿Tan mal lo hemos hecho?
En primer lugar es necesario desechar cualquier tipo de sentimiento de culpa. El hecho de que exista un problema de consumo de drogas en la familia no significa que la responsabilidad de tal consumo recaiga directamente en los padres, ni significa que se hayan equivocado en su actuación con respecto a la educación de sus hijos. Como hemos visto el consumo de drogas es un fenómeno multifactorial en el que influyen un conjunto de factores entre los cuales se encuentra la familia. Por tanto, no es aconsejable actuar bajo este sentimiento, ni utilizarlo para agredir a otro (al cónyuge o al propio afectado) y liberarse así uno mismo de su carga.

¿Que actitud mantenemos ante nuestro hijo si tiene un problema de drogas y no lo reconoce?
La actitud que la familia manifieste ante las situaciones de consumo sistemático por parte de los hijos tiene que ver con la consecución del reconocimiento de consumo por parte del consumidor.

Es necesario que el drogodependiente vea una actitud de firmeza en los padres y de exigencia en el reconocimiento de este consumo. No es conveniente que se demuestre una actitud de fracaso, ni de impotencia ante el problema, sino de energía y posibilidad de abordaje siempre que se cumplan unas condiciones que son las que se están exigiendo.








Esto no debe implicar una actitud autoritaria, ni de falta de comprensión de la situación y del drogodependiente. El diálogo sobre las evidencias con las que se cuenta para asegurar ese consumo y la disposición a prestar apoyo deben ser manifestados en todo momento de una manera abierta y constante.

¿Y si no nos ponemos de acuerdo entre los distintos miembros de la familia?
Las posturas que manifiesten los distintos integrantes de la familia, especialmente los cónyuges, deben estar coordinadas e ir en un mismo sentido. Siempre teniendo en cuenta las diferencias de puntos de vista de cada uno, así como de caracteres, es importante llegar a un consenso ante la postura definitiva sobre el nivel de exigencias que la familia va a plantear al miembro consumidor. Si no existe esta unión, éste puede aprovechar esta situación identificándola como debilidad y mantenerse en posturas cerradas y de poca aceptación de cambio. Puede ser conveniente que la familia considerándola de forma amplia, ya que en ocasiones los abuelos y parejas de los consumidores desempeñan un importante papel, se reúna para tomar una postura común antes de plantear el diálogo con el hijo consumidor y llegar a acuerdos conjuntos.

Los adolescentes atrapados y seducidos por las drogas..

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A pesar de las campañas y las intervenciones mediáticas sobre públicos específicos, el hábito de fumar se sigue expandiendo entre los jóvenes y adolescentes como una epidemia. Muchos adolescentes abrazan el cigarro en señal de rebeldía, otros para ponerse a tono con el grupo o porque ansían sentirse mayores, pero lo cierto es que una vez enganchados, es difícil bajarse del carro, aunque digan lo contrario.


Hay ciertas características en la personalidad de los chicos y de las chicas que les hacen ser más proclives a tomar drogas y consumir mucho alcohol. Identificar estos perfiles con antelación es una buena manera de prevenir la adicción al alcohol y las drogas en la adolescencia.


Si consumes drogas estás más cerca de estar loco que de la ilusoria imagen de fashion. Siete de cada diez adolescentes con problemas psiquiátricos son consumidores habituales de sustancias psicoactivas tales como el alcohol, el tabaco o el hachís, según un estudio realizado por el Hospital Clínic de Barcelona entre 124 menores de entre 12 y 17 años hospitalizados en este centro.






Las personas han utilizado las drogas desde que han tratado de aliviar el dolor y evitar los problemas. Sin embargo, al principio de la década de 1960 las drogas empezaron a utilizarse de manera más generalizada. Antes de esa época eran poco frecuentes. Pero en esa década su uso se generalizó a nivel mundial, y un gran porcentaje de personas se convirtieron en consumidores de drogas.

Por drogas (para mencionar algunas) queremos decir tranquilizantes, opio, cocaína, marihuana, peyote, anfetaminas; y el legado de los psiquiatras al hombre: el LSD y el polvo de ángel, que son las peores. Se incluye cualquier droga médica; las drogas son las drogas. Existen miles de marcas y de términos de jerga para nombrar estas drogas. El alcohol también se clasifica como droga.

Se supone que las drogas hacen maravillas, pero lo único que en realidad consiguen es arruinar a la persona.

Los problemas de las drogas no terminan cuando la persona deja de tomarlas. Los efectos acumulados por haberlas usado pueden dejarle a uno severamente dañado, tanto física como mentalmente. Aún alguien que haya estado alejado de las drogas durante años, sigue teniendo “períodos en blanco”. Las drogas pueden perjudicar la habilidad de la persona para concentrarse, trabajar, aprender; en pocas palabras pueden destrozar una vida.

Sin embargo, aunque los peligros y los riesgos de las drogas son descaradamente obvios y cada vez mejor documentados, las personas siguen usándolas.

¿Por qué?

Cuando una persona está deprimida o sufre dolor, y no encuentra alivio físico en un tratamiento, llega a descubrir que las drogas hacen desaparecer sus síntomas.

Esto también ocurre con dolores que son “psicosomáticos”. El término “psicosomático” significa que la mente hace que el cuerpo se enferme y se refiere a enfermedades causadas por medio de la mente. “Psico” se refiere a la “mente” y “soma” se refiere al “cuerpo”.

En la mayoría de los casos de dolor, enfermedad o malestar psicosomático, la persona busca algo que cure el trastorno.

Cuando al final descubre que sólo las drogas le proporcionan alivio, se rinde ante ellas y se vuelve dependiente de ellas; hasta llegar, con frecuencia, a la adicción.

Años antes, si hubiera existido otra solución, la mayoría de las personas la habrían adoptado. Pero cuando se les dice que no hay otra cura, que sus dolores son “imaginarios”, la vida puede volverse insoportable. Entonces pueden convertirse en personas que utilizan drogas de forma crónica y están en peligro de volverse adictas.

Claro que el tiempo que se requiere para hacerse adicto varía. El problema puede ser sólo “tristeza” o “fatiga”. De cualquier forma, la habilidad para enfrentarse a la vida se reduce.

Cualquier substancia que produzca alivio o haga la vida menos pesada, en el aspecto físico o mental, será bienvenida.

En un entorno poco estable e inseguro, las enfermedades psicomáticas están muy extendidas.

Por consiguiente, antes de que cualquier gobierno ataque con demasiada fuerza el uso extendido de las drogas, debe reconocer que es un síntoma del fracaso de la psicoterapia. El experto en ciencias sociales, el psicólogo, el psiquiatra y los ministros de salud han sido incapaces de resolver las enfermedades psicomáticas que van en aumento.

Es demasiado fácil culpar del problema de las drogas a la “inestabilidad social” o al “ritmo frenético de la sociedad moderna”.

El hecho sólido y real es que, hasta el momento, no ha existido una psicoterapia efectiva de uso generalizado. El resultado es una población que depende de las drogas.

Se ha encontrado que los que usan drogas lo hacen por sufrimiento físico o por desesperanza.

El que utiliza drogas impulsado por el dolor o por la condición desesperanzada de su entorno, seguirá utilizándolas. Aunque no quiera ser adicto, siente que no hay otra solución a su problema.

Sin embargo, con el tratamiento adecuado, la dependencia de las drogas puede resolverse por completo.

La persona deja de necesitar drogas tan pronto como puede sentirse, tanto a nivel físico como mental, más sana y competente sin tomarlas, que como se sentía tomándolas.

La psiquiatría ha considerado con desdén que la adicción a las drogas “no es importante” y el problema social del uso de las drogas no ha recibido atención por parte de los psiquiatras. Por el contrario, ellos introdujeron el LSD y lo popularizaron; además muchos de ellos son traficantes de drogas.

Los organismos gubernamentales han tenido un fracaso evidente en detener el incremento del consumo de drogas y no existe una cura verdadera o de uso generalizado.

El riesgo que representa la persona que usa drogas, aún después de dejarlas, es que su mente se “queda en blanco” en momentos inesperados; tiene períodos de irresponsabilidad y tiende a enfermarse con facilidad.

La tecnología de Scientology ha podido erradicar los daños más graves en las personas que han tomado drogas y también ha logrado que esas personas no deseen una adicción posterior, ni la necesiten.

Scientology no tiene interés en los aspectos políticos o sociales de los diversos tipos de drogas, ni en el hecho en sí de ingerir drogas. Sin embargo, las drogas representan una amenaza creciente al avance mental y espiritual (que es la verdadera misión de Scientology).

Por consiguiente, Scientology contiene una tecnología precisa que no sólo saca a la persona de las drogas sin causarle dolor, sino que incluso se encarga de resolver los efectos físicos, mentales y espirituales que causan; y localiza y resuelve por completo la razón básica por la que la persona empezó a tomar drogas. No existe otro medio para lograr esto con certeza.

























Cuando una persona no puede encontrar solución a un problema; sea cual sea el tipo de problema, que puede abarcar desde el sufrimiento físico hasta la condición de desesperanza...
...tarde o temprano encontrará que las drogas alivian los síntomas
Sin embargo, el problema no desaparece, las drogas sólo lo enmascaran. Hasta que el problema en sí se resuelva con efectividad, la persona dependerá de las drogas o incluso será adicta a ellas.

Aire comprimido, una droga de “moda”

Fernando Valdez es especialista en adicciones del Centro de Integración Juvenil (CIJ) de la unidad Gustavo A. Madero Aragón, quien además de los videos de jóvenes consumiendo aire comprimido en la red, tiene cifras más reveladoras; asegura que lo que comenzó como un juego entre adolescentes ha elevado a 100%, en los últimos cuatro meses, las visitas de consumidores a rehabilitación respecto al año pasado. Mientras los jóvenes consumidores explican que está de moda, los terapeutas aseguran que es una droga experimental, pues “los adolescentes sienten que por tener cuerpo y mente ‘nueva’ pueden estrenarlos con cualquier cosa que les genere nuevas sensaciones”, dice Valdez.

Alrededor de 30 jóvenes de una colonia de clase media ejemplifican las cifras. Todo comenzó en la recámara de Verónica. Una tarde citó a su novio y a su mejor amigo. Harían la prueba con el aire comprimido, la idea la habían sacado de la película A los 13, donde dos chicas se drogan así. “Verónica y sus compañeros iniciaron la modita en la colonia”, dice Cristian, consumidor desde hace un año.

Antes de convertirse en la Banda airada, como se denominan, bebían cerveza y fumaban tabaco. En el último año, la mayoría de adolescentes en este barrio ha consumido aire comprimido, aunque sea sólo por una vez. “De una a cuatro latas diarias”, dice Cristian. “Nos ha pasado de todo, desde el que se cae y le dan ataques como de epilepsia, hasta al que madreamos en su viaje y por no sentir cuando despierta, termina todo golpeado. Euforia, colores, negros, segundos de muerte. Hacemos vaca para las latas”. Y al preguntarle si sus padres saben lo que hacen: “¿Cacharnos?... No, nadie se da cuenta”.

Como una asfixia


Fernando Valdez explica que “como todas las drogas, el efecto dependerá del cuerpo. Eso sí, a algunos les puede dar un infarto cerebral desde el primer contacto. Otros ven luces de colores. Por minutos no saben dónde están. Son las mismas características de cuando se sufre asfixia. La mayoría son monousuarios, de tipo experimental. No es el típico paciente que lleve años haciéndolo, quizá unas cinco veces”.

Generalmente son jóvenes de secundaria que experimentan por creer que es gracioso. “No lo miran como una droga. Además, los envases no tienen mensajes en letras grandes que lo aclaren, ni las restricciones o los peligros”.

El Consejo Nacional contra las Adicciones reconoce que no hay una campaña de prevención ante esta nueva droga que se cataloga entre los inhalantes. Lo que se sabe después de varios años de consumo y de estudiar a pacientes es que puede provocar muerte cerebral y con el tiempo tener olvidos frecuentes. “Después de que se desmayó, convulsionó y no saben que pasó, vienen las secuelas como olvidos frecuentes y comprensión con dificultad. En los casos mas graves hay hasta demencia”, explica.

A terapia llegan los casos de daño más graves, los que se cayeron en pleno patio de la secundaria, los que sufrieron ataques epilépticos desde una primera toma y los que fueron sorprendidos por sus padres o sus maestros, pero afuera hay miles de jóvenes que se están drogando con aire comprimido y que sufren desmayos por minutos sin saber que cada jalón les mata millones de neuronas.

Los más preocupados con el asunto, dice el especialista, son los padres de familia, pues los jóvenes pese a estar en tratamiento tardan en asimilar que usaban droga. La recuperación es alta, si el daño es mínimo. En la recuperación tienen el apoyo de sus padres, escuelas y de terapia integral.

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6. Actualiza con frecuencia los lectores interesados regresaran a tu sitio si es probable que encuentren algo nuevo no necesitas actualizar diariamente pero procura actualizar cada semana
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8. Enlaza a tus fuentes. La web permite una transparencia que ningún otro medio puede igualar cuando enlazas a una noticia un ensayo, un documento especial, un discurso o un articulo de otro blogger , das acceso a tus lectores a tus fuentes primarias permitiéndoles realizar juicios documentados.
9. Enlaza a otros blogs. Tus lectores pueden agradecer que les presentes esos blogs que mas disfrutas leyendo. La web es un medio democrático y los blogger amplifican las voces de cada uno cuando se enlazan entre si. Si enlazas generosamente a otros blogs extiendes las bases de la red de información y contacto sociales que estamos creando juntos en la web.
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Geishas

Las geishas se originaron como profesionales del entretenimiento; originalmente la mayoría eran hombres. Mientras las cortesanas profesionales brindaban entretenimiento sexual, las geishas usaban sus habilidades en distintas artes japonesas, música, baile, y narración. Las geishas de ciudad (machi) trabajaban independientemente en fiestas fuera de los "barrios de placer", mientras que las de barrio (kuruwa) lo hacían dentro de éstos. Al declinar el nivel artístico de las cortesanas, las geishas —hombres y mujeres— tuvieron mayor demanda.[cita requerida]

Los geishas masculinos (algunas veces conocidos como hōkan 幇間 o taikomochi 太鼓持) comenzaron a declinar, y para el 1800 las geishas femeninas (conocidas originalmente como onna geisha, literalmente ‘geisha mujer’) los superaron en número de tres a uno, y el término "geisha" comenzó a usarse para referirse a las mujeres con habilidades para el entretenimiento, como hoy en día.[cita requerida]

Tradicionalmente, las geishas comenzaban su entrenamiento a una corta edad. Algunas jóvenes eran vendidas a las casas de geishas en su niñez, y comenzaban su entrenamiento en varias artes tradicionales casi inmediatamente.

Durante su niñez, las geishas a veces trabajaban como criadas o asistentes de las más experimentadas, y luego como aprendices de geisha (maiko) durante su entrenamiento. Esta tradición de entrenamiento existe en otras disciplinas de Japón, el estudiante deja su hogar, comienza a hacer trabajos hogareños y asistir a su maestro, para finalmente convertirse en uno.




Las geishas modernas aún viven en tradicionales casas de geisha llamadas okiya en áreas denominadas hanamachi (花街 ‘calle de flores’), generalmente durante su aprendizaje, pero muchas geishas experimentadas eligen vivir en sus propios apartamentos. La elegante y alta cultura en la que viven las geishas se llama karyūkai (花柳界 ‘el mundo de las flores y sauces’).

Las jóvenes con aspiraciones a geisha comienzan su entrenamiento después de completar los primeros años de secundaria o incluso en secundaria o estudios superiores, empezando su carrera en la adultez. Las geishas aún estudian instrumentos tradicionales como

el shamisen (三味線, 'shamisen'?)
el shakuhachi (尺八, flauta de bambú)
el taiko (太鼓, tambor)
canciones tradicionales,
baile japonés clásico,
sadō (茶道, ceremonia japonesa del té),
ikebana (活花, arreglos florales),
literatura
poesía.
Mirando a otras geishas, y con la ayuda de las dueñas de las casas de geishas, las aprendices se vuelven habilidosas en la compleja tradición de elegir y usar kimono, y en el tratar con los clientes.

La ciudad de Kioto mantiene fuerte la tradición de las geishas, y dos de los más prestigiosos y tradicionales distritos de geishas, Gion y Pontochō, están en esa ciudad. Las geishas de estos distritos son conocidas como geiko. Los hanamachi de Tokio, Shimbashi, Asakusa y Kagurazaka son también bastante conocidos.

En el Japón moderno, las geishas y maiko son bastante inusuales. En los años 1920 había alrededor de 80.000 geishas en Japón, pero hoy en día hay aproximadamente 1.000. De todas maneras, en el distrito Gion de Kioto, los visitantes pueden observar algunas maiko por las calles yendo o regresando de una cita.

Una economía ralentizada, pocos intereses en las artes tradicionales, la inescrutable naturaleza del mundo de las flores y sauces, y el costo de este servicio han contribuido en que la tradición decline.

Las geishas son contratadas para asistir a fiestas y encuentros, tradicionalmente en casas de té (茶屋, chaya) o tradicionales restaurantes japoneses riotei (料亭, ryōtei?). Su tiempo es medido según lo que se demora en consumirse un palo de incienso (llamado senkodai (線香代, 'senkōdai'?) o ‘palo de incienso tarifario’) o gyokudai (玉代, gyokudai?) (‘joya tarifaria’). Otro término para trazar la tarifa es ohana (flores tarifarias). El cliente hace el convenio a través del sindicato de geishas (検番 kenban), que mantiene el horario de cada geisha y hace sus citas de entretenimiento o entrenamiento.

Geishas y prostitución [editar]Aún existe cierta confusión, especialmente fuera de Japón, sobre la naturaleza de la profesión de las geishas. Este tema se ha complicado debido a las prostitutas japonesas, particularmente en onsen, que quieren ligarse al prestigio de las geishas promocionándose como geishas ante los turistas (japoneses y extranjeros).

Tradicionalmente, la geisha debe mantenerse soltera (o retirarse después del matrimonio), aunque no es poco común que tengan hijos. Mientras que los compromisos generalmente incluyen coquetear e incluso bromas sugerentes (no obstante codificados en maneras tradicionales), nunca incluyen actividad sexual, y una geisha no es pagada por sexo, aunque algunas pueden elegir tener una relación que incluya el sexo con algún cliente fuera de su rol como tal. Y debido a que estas relaciones están vinculadas con la capacidad del cliente de pagar por los servicios tradicionales, el argumento puede ser que es simplemente una manera complicada de prostitución.

Fue tradicional para las geishas tener un danna, o cliente habitual. Un danna era generalmente un hombre adinerado, algunas veces casado, que tenía recursos para financiar los costos del entrenamiento tradicional de la geisha y otros gastos considerables.

Aunque una geisha y su danna podrían estar enamorados, la relación está sujeta a la capacidad del danna de entregar algún aporte financiero. Los valores y convenios ligados a este tipo de relaciones no son bien comprendidas, incluso entre los japoneses.

Se especula sobre la venta de la virginidad de las geishas y de su cuerpo a un solo cliente (hasta que el danna se cansara y entonces se buscaría otro), algo que era usual. La publicación de la novela Memorias de una geisha generó gran polémica sobre este tema, normalmente acallado y negado por las novelas y los escritores románticos.

Apariencia [editar]La apariencia de una geisha cambia a lo largo de su carrera, desde la femenina y maquillada maiko, hasta la apariencia madura de una geisha mayor y consolidada.

Maquillaje [editar]Hoy en día, el tradicional maquillaje de la aprendiz de geisha es una de las características más reconocibles, aunque las geishas experimentadas generalmente usan el característico maquillaje de maiko, consistente en la cara totalmente blanca, durante presentaciones especiales.

El maquillaje tradicional de las aprendices de geisha consta de una base blanca (originalmente hecha con plomo), el uso de lápiz labial rojo y adornos rojos y negros alrededor de los ojos y cejas.

La aplicación del maquillaje es difícil de perfeccionar y es un proceso bastante largo. El maquillaje es aplicado antes de vestirse para evitar ensuciar el kimono. Primero, una sustancia de aceite o cera, llamada bintsuke-abura, se aplica a la piel. Luego, un polvo blanco es mezclado con agua para formar una pasta que se aplica con una brocha de bambú. El maquillaje blanco cubre la cara, cuello, pecho y manos, con dos o tres áreas sin pintar (formando una "W" o "V") cerca de la nuca, para acentuar esta zona erótica, y una zona descubierta de piel alrededor del pelo, que crea la ilusión de una máscara.

Luego que la base es aplicada, una esponja es pasada por la cara, cuello, pecho y nuca para absorber el exceso de humedad y lograr uniformidad en la base. Luego los ojos y cejas son remarcadas. Tradicionalmente se usaba carboncillo, pero hoy en día se utilizan cosméticos modernos. Las cejas y el borde de los ojos son pintados de negro; las maiko además usan rojo alrededor de los ojos.

Los labios son pintados con una brocha pequeña simulando un contorno de labios sensual. El color viene en un palo pequeño que es mezclado con agua. Azúcar cristalizada es añadida para dar brillo a los labios.

Durante los primeros tres años, una maiko usa su maquillaje casi constantemente. Durante su iniciación la maiko es ayudada por su "hermana mayor" (una geisha experimentada que se convierte en su mentor) o la "madre" de su casa de geishas. Después debe aplicarse el maquillaje por su cuenta.

Después que una geisha ha trabajado durante tres años, cambia su maquillaje a un estilo más apagado. La razón es que se ha vuelto más madura, y el estilo simple la muestra en su belleza natural. Para ocasiones formales la geisha madura aún utiliza maquillaje blanco. Para las geishas sobre treinta años, el maquillaje blanco es utilizado solo en bailes especiales que lo requieren.

Atuendo [editar]Las geishas siempre utilizan kimono. Las aprendices de geisha llevan coloridos kimonos con extravagantes obi. Las geishas mayores utilizan estilos y diseños más apagados. También es importante destacar la longitud de las mangas. Las aprendices (maiko) utilizan furisode de mangas que llegan casi hasta el suelo. Según van avanzando de edad y nivel en la profesión, las mangas tornan a tomesode, más cortas y de color más oscuros y de corte más elegante.

El color, diseño y estilo del kimono dependen de la estación y evento en el que las geishas están atendiendo. En invierno, las geishas pueden ser vistas llevando un "abrigo" adornado con seda pintada sobre su kimono. Los kimonos forrados son usados durante estaciones frías, y los normales durante el verano.

La geisha utiliza sandalias de suela baja de madera y laca, llamadas zori y en interiores llevan sólo tabi (calcetines divididos en los dedos). En climas inclementes las geishas utilizan zuecos de madera, llamados geta. Las maiko llevan altísimos zuecos negros, okobo.

Peinado [editar]Los peinados de las geishas han ido variando a través de la historia. En el pasado, era común para las mujeres usar el cabello suelto en algunos periodos, pero recogido en otros. Durante el siglo VII, las mujeres comenzaron a usar siempre el cabello recogido nuevamente, y fue durante este tiempo que se adoptó el tradicional peinado shimada, un tipo de 'moño' usado por geishas experimentadas.

Hay cuatro tipos de shimada: el taka shimada, un gran moño utilizado generalmente por jóvenes solteras; el tsubushi shimada, un chignón más aplastado utilizado por mujeres mayores; el uiwata, un chignón que es vendado con un pedazo de cinta de color; y un estilo que representa un melocotón dividido, usado solo por las maiko.

Estos peinados son decorados con elaborados peines y horquillas. En el siglo XVII y después de la Restauración Meiji, los peines de cabello eran grandes y vistosos, generalmente utilizados por mujeres de alta clase. Después de la Restauración Meiji y en la era moderna, los peines menos vistosos y pequeños se volvieron populares.

Muchas geishas modernas usan pelucas en su vida profesional. Deben ser cuidadas regularmente por artesanos habilidosos. El tradicional arte del peinado está en vías de extinción.

La geisha en la cultura popular [editar]El creciente interés en la apariencia exótica de las geishas ha creado varios fenómenos culturales en Japón y occidente, recientemente las líneas de maquillaje inspiradas en las geishas fueron llevadas a occidente luego de la popularidad alcanzada por la novela y película Memorias de una geisha, que se encuentra muy por debajo del realismo de la autobiografía Vida de una geisha, de la geisha Mineko Iwasaki con la colaboración de Rande Brown.

En 1999, la cantante estadounidense Madonna apareció en el video musical de Nothing Really Matters en una vestimenta inspirada en el de las geishas con un maquillaje blanco.

En 2005, la compañía japonesa de videojuegos Tecmo lanzo la cuarta entrega de Dead or alive donde aparecía una nueva personaje jugable llamada Kokoro, la cual es una joven de 17 años que entrena con su madre para convertirse en una geisha, a pesar de negarse al principio a seguir su adiestramiento, al final del videojuegos se puede apreciar como supera su negatividad y logra convertirse en una tradicional geisha al igual que su madre; En el intro del juego y en varios promocionales así como en el manual del juego se le puede ver con un kimono rosa tradicional de las geishas, irónicamente este no puede ser usado durante el juego.

En Código Lyoko, una serie creada por Antefilms (actualmente MoonScoop), se puede ver que una de las protagonistas, Yumi Ishiyama, lleva un traje de Geisha cuándo entra en LYOKO. En la 4ªtemporada de esta misma serie la podemos ver como una especie de "Geisha futurista", al igual que Ulrich con su traje de samurái.

Una geisha occidental [editar]Hasta el 19 de diciembre del 2007 el título de geisha era reservado sólo para mujeres niponas que aprobaban un entrenamiento tradicional de varios años.

Por primera vez en cuatrocientos años de historia de esta institución una antropóloga australiana llamada Fiona Graham originaria de la ciudad de Melbourne fue aceptada como una geisha luego de un largo proceso de aprendizaje y habilidades artísticas a la que es sometida toda aspirante a ser geisha. Graham señaló que su interés por el mundo de las geishas comenzó a los 15 años, cuando inició un programa de estudiantes en Japón, donde se matriculó en la Universidad de Keiō antes de doctorarse en antropología. Sayuki (como es conocida como geisha) sigue estudiando para perfeccionar este arte.

THE BEATLES

The Beatles fue una banda inglesa de rock que se formó en Liverpool en 1960. Durante su carrera se convirtieron en una de las más exitosas y críticamente aclamadas en la historia de la música popular.[2] Desde 1962 estuvo integrada por John Lennon (guitarra rítmica, vocalista), Paul McCartney (bajo, vocalista), George Harrison (guitarra solista, vocalista) y Ringo Starr (batería, vocalista). Aunque en sus inicios tocaban skiffle y rock and roll de los años cincuenta, a lo largo de su carrera trabajaron con distintos géneros musicales, interpretando desde el folk rock hasta el rock psicodélico. La naturaleza de su enorme popularidad, que fue denominada por primera vez como la "Beatlemanía", transformó sus composiciones, al tiempo que las mismas crecieron en complejidad. Llegaron a ser percibidos como la encarnación de los ideales progresistas, extendiendo su influencia en las revoluciones sociales y culturales de la década de 1960.
Con una formación inicial de cinco elementos que incluía a Lennon, McCartney, Harrison, Stuart Sutcliffe (bajo) y Pete Best (batería), construyeron su reputación en los clubes de Liverpool y Hamburgo en un período de tres años a partir de 1960. Sutcliffe abandonó la formación en 1961, y Best fue reemplazado por Starr al año siguiente. Establecidos como grupo profesional después de que Brian Epstein les ofreciera ser su mánager, y con su potencial musical mejorado por la creatividad del productor George Martin, lograron éxito comercial en el Reino Unido a finales de 1962 con su primer sencillo, Love Me Do. A partir de ahí, fueron adquiriendo popularidad internacional a lo largo de los siguientes años, en los cuales tuvieron un extenso número de giras hasta 1966, año en que cesaron la actividad en vivo para dedicarse únicamente al estudio de grabación hasta su disolución en 1970. Después, todos sus integrantes se embarcaron en exitosas carreras independientes. McCartney y Starr permanecen activos, Lennon fue asesinado a tiros en 1980, y Harrison murió de cáncer en 2001.
Durante sus años de estudio crearon algunos de sus mejores materiales, incluyendo el Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967), considerado por muchos como una obra maestra. Cuatro décadas después de su separación, la música que crearon continúa siendo popular. Se mantienen como el grupo con más números uno en las listas británicas, situando más álbumes en esta posición que cualquier otra agrupación musical.[3] De acuerdo con las certificaciones de la RIAA, han vendido más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.[4] En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los artistas más exitosos de todos los tiempos en el Hot 100 con motivo del 50 aniversario de la lista de éxitos,[5] y The Beatles fueron colocados en el número uno. Fueron galardonados con 7 premios Grammy,[6] y recibieron 15 premios Ivor Novello de la Academia Británica de Compositores y Cantautores.[7] En 2004, la revista Rolling Stone los clasificó en el número uno en su lista de los "50 artistas más grandes de todos los tiempos".[8] De acuerdo con la misma publicación, la música innovadora de The Beatles y su impacto cultural ayudaron a definir los años sesenta.[9]

A raíz del moderado éxito de "Love Me Do", "Please Please Me" recibió una acogida más enfática, alcanzando el número dos en el UK Singles Chart en enero de 1963 después de su lanzamiento. Martin originalmente tenía previsto que el disco debut de The Beatles fuese un LP en vivo en el Cavern Club. Finalmente esta idea fue desechada,[48] y se eligió crear un álbum tipo "en vivo" de una sola sesión en los Estudios EMI (posteriormente renombrados Abbey Road). Diez canciones fueron grabadas para Please Please Me, acompañadas en el álbum por los cuatro temas que ya habían sido publicados en los dos sencillos.[48] Recordando la "urgencia que tenían por publicar su álbum debut, y como Please Please Me se hizo en un solo día", una revisión de Allmusic comentaba: "Décadas después de su lanzamiento, el álbum todavía suena fresco, precisamente a causa de su origen tan peculiar".[49] Lennon dijo que creía que a la vez las canciones fueron muy poco maduras, él y McCartney estaban "simplemente escribiendo canciones a la Everly Brothers, al estilo de Buddy Holly, canciones pop, sin tener en mente crear un sonido especial. Y las palabras eran casi irrelevantes".[50]
Lanzado en marzo de 1963, el álbum alcanzó el número uno en las listas británicas. El tercer sencillo que publicaron, "From Me to You", fue lanzado en abril y también alcanzó la cima de las listas de éxitos. A partir de ese momento inició una racha casi ininterrumpida de diecisiete sencillos lanzados por The Beatles, que alcanzaron el número uno en las listas británicas, incluyendo todos los que se publicaron en los siguientes seis años, a excepción de uno. Lanzado en agosto, el cuarto sencillo, "She Loves You", alcanzó el récord de mayor número de copias vendidas en el Reino Unido hasta ese momento, vendiendo cerca de 750 mil copias en menos de cuatro semanas.[51] Se convirtió en su primer sencillo en vender un millón de copias, y siguió teniendo el récord en el Reino Unido hasta 1978, cuando fue superada por "Mull of Kintyre", interpretada por McCartney y su grupo posterior a la separación de The Beatles Wings.[52] La popularidad de su música les proporcionó una creciente atención de la prensa, a la que ellos respondieron con una descarada e irreverente actitud, que acabó por apartarse de los rasgos característicos de las figuras más importantes de la música pop y que, inclusive, inspiró mayores intereses.[53] [54]

Logotipo de The Beatles con la T alargada hacia abajo, enfatizando la palabra "beat".
El icónico logotipo de The Beatles conocido como el "drop-T" también hizo su debut en 1963, cuando fue utilizado por primera vez en el frente bajo de la batería de Starr, que Epstein y Starr compraron en una tienda de Londres.[55] [56] Durante la primera mitad del año llevaron a cabo tres giras en el Reino Unido: una de cuatro semanas que comenzó en febrero y otras dos de tres semanas durante marzo y mayo-junio. A medida que su popularidad se extendió, apareció una adulación desenfrenada hacia ellos, también llamada "Beatlemanía". Aunque no se anunciaron como los cabecillas de gira, los otros artistas que participaron fueron Tommy Roe, Chris Montez y Roy Orbison, artistas estadounidenses que habían establecido una gran popularidad en el Reino Unido.[57] Las actuaciones en todas partes, tanto en la gira como en los espectáculos fuera del Reino Unido, fueron recibidas con un entusiasmo desenfrenado por los fanáticos que no paraban de gritar.[58] La policía se vio obligada a usar agua a alta presión con mangueras para poder controlar a las multitudes, y hubo debates en el Parlamento sobre los miles de policías que ponían en riesgo sus vidas para protegerlos.[59] A finales de octubre, una gira de cinco días en Suecia, se convirtió en la primera visita que hicieron al extranjero desde sus días en Hamburgo.[60] De regreso al Reino Unido fueron recibidos en el aeropuerto de Heathrow bajo una intensa lluvia por miles de fanáticos. Además asistieron cincuenta periodistas y fotógrafos y un equipo de cámaras de la BBC Television.[61] Al día siguiente, The Beatles comenzaron otra gira por el Reino Unido, prevista para seis semanas. Pero en esta ocasión, fueron, indiscutiblemente, el grupo principal.[57]
Please Please Me estaba todavía en lo más alto de las listas. Se mantuvo en esa posición durante treinta semanas, sólo para ser desplazado por With The Beatles, que se colocó en el primer lugar durante veintiún semanas. Haciendo mayor uso de las técnicas de producción que usaron en el LP predecesor, el álbum fue grabado entre julio y octubre. With The Beatles es descrito por Allmusic como "una secuela del más alto nivel que mejora en lo original mediante el desarrollo de un tono propio y la adición de situaciones más intensas".[62] En un cambio de lo que hasta entonces había sido la práctica habitual, el álbum fue lanzado a fines de noviembre antes del inminente sencillo "I Want To Hold Your Hand", excluyendo a esta última con el fin de maximizar las ventas del sencillo homónimo.[63] With The Beatles llamó la atención del crítico musical de The Times William Mann, que fue tan lejos como para sugerir que Lennon y McCartney eran "los compositores ingleses más destacados de 1963".[63] El periódico publicó una serie de artículos en los que Mann ofreció un análisis detallado de la música de The Beatles, lo cual les otorgó una mayor respetabilidad.[64] With The Beatles se convirtió en el segundo álbum en la historia del Reino Unido en vender un millón de copias, una cifra previamente alcanzada sólo por la banda sonora de 1958 South Pacific.[65]
Conquista de los Estados Unidos
Artículo principal: The Beatles en los Estados Unidos
Véase también: Invasión británica

The Beatles al arribar en el aeropuerto JFK (Nueva York), el 7 de febrero de 1964.
Los lanzamientos de The Beatles en los Estados Unidos inicialmente se retrasaron por casi un año, cuando Capitol Records, filial americana de EMI, se negó a lanzar los sencillos "Please Please Me" y "From Me to You".[66] Las negociaciones con sellos independientes de Estados Unidos llevaron a la publicación de algunos sencillos, pero los problemas de regalías y las burlas hacia el peinado "moptop" de los integrantes plantearon nuevos obstáculos.[67] [68] Una vez que Capitol comenzó a emitir el material en Estados Unidos, en lugar de lanzar los LP en su configuración original, compilaron sus distintas grabaciones en diferentes álbumes, y emitieron canciones en sencillos de su preferencia.[69] El éxito definitivo en América llegó cuando se emitió un reportaje sobre la Beatlemanía británica, provocando gran aclamación entre el público norteamericano, lo que llevó a Capitol a lanzar "I Want to Hold Your Hand" en diciembre de 1963.[70] El primer viaje que realizaron a Estados Unidos estaba preparado para una semanas después.
Cuando abandonaron el Reino Unido el 7 de febrero de 1964, unos cuatro mil aficionados reunidos en Heathrow comenzaron a saludar y gritar cuando la aeronave despegó.[71] "I Want to Hold Your Hand" había vendido 2,6 millones de copias en los Estados Unidos durante las dos semanas anteriores, pero aun sentían cierta incertidumbre sobre el recibimiento que tendrían a su llegada.[72] Al llegar al recién rebautizado Aeropuerto Internacional John F. Kennedy fueron recibidos por otra multitud vociferante, estimada en alrededor de tres mil personas.[73] Su primera aparición estadounidense la llevaron a cabo en el programa The Ed Sullivan Show el 9 de febrero de 1964, siendo vistos por aproximadamente 74 millones de espectadores —casi la mitad de la población del país de ese entonces—.[74] [75] A la mañana siguiente un periódico escribió que The Beatles "no podían llevar la misma musiquilla cruzando el Atlántico",[76] pero un día después de su presentación debut en Estados Unidos, por primera vez la Beatlemanía se hizo ver en el Washington Coliseum.[77] De vuelta a Nueva York el día siguiente, se presentaron con otra gran acogida en el Carnegie Hall. Después de una semana aparecieron en el Ed Sullivan Show por segunda vez, antes de regresar al Reino Unido el 22 de febrero.[78] Durante la semana del 4 de abril habían logrado situar doce de sus canciones en el Billboard Hot 100, incluyendo los cinco primeros lugares.[79] Esa misma semana, un tercer LP estadounidense se unió a los otros dos que ya estaban en circulación. Los tres llegaron a los primeros lugares en la lista estadounidense de álbumes. El éxito que habían obtenido en los Estados Unidos provocó la denominada invasión británica: la llegada de una serie de nuevas formaciones musicales británicas que lograron ser populares en Estados Unidos después de la llegada de The Beatles.[80] El peinado del cuarteto, inusualmente largo para ese tiempo, continuó siendo objeto de escarnio de muchos adultos, pero ampliamente adoptado como emblema cultural de la juventud floreciente.[81]
A mediados de 1964 realizaron una gira internacional en la que programaron treinta y dos conciertos en solo diecinueve días. Los lugares de actuación fueron en Dinamarca, Hong Kong, Australia y Nueva Zelanda, y en todos ellos fueron recibidos con gran entusiasmo.[82] [83] Starr se encontró enfermo durante la primera mitad de la gira, y Jimmy Nicol fue el encargado de tocar la batería durante su ausencia. En agosto volvieron a visitar Estados Unidos, con una gira de treinta conciertos en veintitrés ciudades.[84] Generando una aclamación inmensa una vez más, la gira atrajo entre diez y veinte mil aficionados en todos los conciertos. Sin embargo, su música apenas era audible.[84] El sistema de amplificación de ese momento era modesto en comparación a los equipos modernos de la actualidad, y los pequeños amplificadores Vox que usaban tenían dificultades para competir con el alto volumen del sonido generado por los gritos de los fans. Obligados a aceptar que ni ellos ni su público pudieran conocer los detalles de sus actuaciones, comenzaron a aburrirse de los conciertos y las giras.[85]
Al final de la gira de agosto, estando en Nueva York, les presentaron a Bob Dylan por iniciativa del periodista Al Aronowitz. Cuando lo visitaron en su suite del hotel, Dylan los inició en el consumo de cannabis.[86] El historiador musical Jonathan Gould señaló la importancia musical y cultural de esta reunión, ya que los respectivos fans de los músicos eran "percibidos como habitantes de dos mundos culturalmente separados": El público general de Dylan eran "chicos de la universidad con inclinaciones artísticas o intelectuales, un idealismo político y social naciente, y un estilo ligeramente bohemio" en contraste con la audiencia de The Beatles que eran unos "verdaderos 'adolescentes'—chicos de secundaria o primaria, que cuyas vidas estaban totalmente envueltas en la comercializada cultura popular de la televisión, radio, discos de música pop, revistas, y la moda adolescente. Fueron vistos como idólatras, no como idealistas". Seis meses después de la reunión "Lennon estaría haciendo grabaciones en donde imitaba el tono nasal de Dylan, de rasgueo frágil, y su personalidad vocal era introspectiva". Dentro de un año, Dylan "procedería, con la ayuda de otras cinco personas y una guitarra eléctrica Fender Stratocaster, a sacudir las bases del folk que se hizo auténtico y permanente en él"; "las diferencias entre el folk y el rock estaban casi condensadas"; y la audiencia de The Beatles "mostraba signos de crecimiento".[87]
A Hard Day's Night, Beatles for Sale, Help! y Rubber Soul
La falta de interés de la compañía discográfica Capitol Records durante 1963 no pasó desapercibida por la competencia, de manera que United Artists Records alentó a su división de cine United Artists a ofrecerles un contrato cinematográfico con la esperanza de poder llegar a un acuerdo discográfico con ellos.[88] Dirigida por Richard Lester, A Hard Day's Night los envolvió durante un periodo de tres semanas entre marzo y abril de 1964 para el rodaje de la película.[89] El estrenó tuvo lugar en Londres y Nueva York en julio y agosto, respectivamente, y fue un éxito internacional.[90] Estrenada en la cúspide de la Beatlemanía, fue muy bien recibida por la crítica cinematográfica, convirtiéndose así en una de las películas más célebres de la historia en su género.[91] Según Allmusic, la banda sonora de la película, A Hard Day's Night, hizo que se les viese como "una verdadera banda cohesionada. Todas las influencias dispares de sus dos primeros álbumes se habían fundido esta vez de forma brillante, alegre y original, llena de sonidos de guitarras".[92] Este "sonido de guitarra" fue principalmente producto de Harrison y su guitarra eléctrica de 12 cuerdas Rickenbacker.[93]
Su cuarto álbum de estudio, Beatles for Sale, vio el comienzo de un serio conflicto entre el comercialismo y la creatividad.[94] Grabado entre agosto y octubre de 1964, se tuvo la intención de continuar con el formato establecido en A Hard Day's Night, que a diferencia de los primeros dos LP, éste incluía únicamente composiciones originales de ellos.[94] Reconociendo el desafío que planteaba el dar constantes conciertos por todo el mundo, sus esfuerzos de componer nuevas canciones fueron en vano. Finalmente, fueron incluidas seis versiones en su nuevo álbum de estudio.[94] Lanzado a principios de diciembre, sus ocho canciones originales destacaron por la creciente madurez que mostraba el material producido por la asociación Lennon-McCartney.[94]
En abril de 1965, estando Lennon y Harrison cenando por invitación en casa de su dentista, consumieron LSD que este último había añadido en sus cafés.[95] Posteriormente, ambos músicos experimentaron deliberadamente con esta droga, uniéndose a ellos Starr en una ocasión.[96] McCartney se mostró al principio renuente a probarla, pero finalmente lo hizo en 1966, y más tarde se convirtió en el primero en hablar públicamente sobre ello.[97] La controversia surgió en junio de 1965, cuando la Reina Isabel II los designó como miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE). Los propuso el Primer Ministro Harold Wilson, el que fuera antes miembro del Parlamento por Huyton, distrito de Liverpool.[98] El nombramiento —en ese tiempo concedido fundamentalmente a veteranos de guerra y a líderes civiles— provocó que algunos receptores del MBE protestasen devolviendo la insignia.[99]

Fotograma del trailer estadounidense de Help!, película estrenada oficialmente en julio de 1965. En él aparecen (desde el primer plano hacia atrás) John Lennon, Paul McCartney y George Harrison.
La segunda película de The Beatles, Help!, de nuevo dirigida por Lester, fue estrenada en julio de 1965. Descrita principalmente como "una parodia de las películas de James Bond",[100] el filme fue recibido tibiamente por la crítica y por ellos mismos. McCartney comentó: Help! era estupenda, pero no fue nuestra película, éramos como una especie de estrellas invitadas. Fue divertido, pero básicamente, como idea para una película, estuvo un poco errada".[100] Su banda sonora, el quinto álbum de estudio de la agrupación, contenía otra vez una mezcla de material original y versiones, pero con más énfasis en Lennon como cantante y compositor, incluyendo los dos sencillos lanzados extraídos del álbum: "Help!" y "Ticket to Ride".[101] En Help! se les vio con una mayor utilización de doblajes vocales y la incorporación de instrumentos clásicos en sus arreglos, especialmente el cuarteto de cuerdas de la balada "Yesterday".[102] Compuesta por McCartney, "Yesterday" posee el récord de ser la canción más versionada de la historia de la música.[103] La pista de cierre del LP, "Dizzy Miss Lizzy", se convirtió en el último tema que versionaron e incluyeron en un álbum. Con la excepción de Let It Be, que contenía la canción popular tradicional de Liverpool "Maggie Mae", todos sus discos posteriores incluyeron sólo material original.[104]
El 15 de agosto, en su tercera visita a Estados Unidos, llevaron a cabo el concierto en el Shea Stadium de Nueva York, ante una multitud de 55.600 personas.[105] Otros nueve conciertos le siguieron en otras ciudades de Estados Unidos, también con gran éxito. Hacia el final de la gira, el 27 de agosto de 1965, visitaron a Elvis Presley en su mansión de Bel-Air.[106] En la sala de Elvis tocaron y discutieron sobre el negocio de la música e intercambiaron anécdotas personales.[107] En septiembre de 1965 se estrenó una serie estadounidense de dibujos animados de The Beatles, transmitida los sábados por la mañana en la televisión que los tenía como protagonistas. La serie hacía eco del humor de la película A Hard Day's Night. Los episodios originales, aunque producidos hasta 1967, siguieron apareciendo durante dos años más, hasta 1969.[108]
Rubber Soul, lanzado a principios de diciembre, fue aclamado por la crítica como un gran paso en la madurez y la complejidad de su música.[109] El biógrafo y crítico musical Ian MacDonald comentó que con Rubber Soul, The Beatles "recuperaron la dirección que habían comenzado a perder durante las últimas etapas con su trabajo en Beatles for Sale".[110] Después de que en Help! incursionasen en el mundo de la música clásica con cuerdas y flautas, la introducción en Rubber Soul de una cítara en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" marcó un avance más allá de los límites tradicionales de la música rock. Además, también demostró que Lennon y McCartney estaban menos complementados en sus composiciones, cada vez más diferentes entre sí (aunque seguían compartiendo crédito oficial). Su alcance temático estuvo en plena expansión, englobando los aspectos más complejos del romance y otro tipo de preocupaciones en sus canciones.[109] Como sus letras se hicieron más ingeniosas, los fans comenzaron a estudiarlas para encontrar su verdadero significado. Se especuló que "Norwegian Wood" podría referirse al cannabis.[111] En 2003, la revista Rolling Stone clasificó a Rubber Soul en el puesto número 5 de "los 500 mejores álbumes de todos los tiempos",[112] y el álbum es descrito por Allmusic como "uno de los clásicos discos en el género musical de folk rock".[1] De acuerdo con Lennon y McCartney, sin embargo, este fue "solo un álbum más".[113] El ingeniero Norman Smith vio claros signos de los crecientes conflictos que tenían durante las sesiones de Rubber Soul; Smith dijo más tarde que "el enfrentamiento entre John y Paul se hacía cada vez más evidente" y "en lo que se refiere a Paul, George no podía hacer nada bien".[114]
Controversia, años finales y separación (1966-1970)
Incidente en Manila y comentario de Lennon sobre Jesucristo
En junio de 1966 salió a la venta Yesterday and Today, una compilación creada por Capitol Records para el mercado estadounidense. El álbum causó gran impacto por su portada, al retratarlos vestidos de carniceros rodeados de piezas de carne y muñecas de plástico mutiladas. Una popular, aunque apócrifa historia, fue que la portada se entiende como respuesta al modo que empleó Capitol en masacrar sus álbumes.[115] Ante la controversia y escándalo que la portada de este álbum despertó, decidieron cambiarla por una nueva más convencional. Una copia original sin censura fue subastada en 10.500 dólares en diciembre de 2005.[116] Durante un viaje a Filipinas, un mes después de que saliera a la venta Yesterday and Today, fueron invitados a un desayuno en el Palacio Presidencial por parte de la primera dama del país, Imelda Marcos.[117] Cuando se presentó la invitación, Epstein la rechazó cortésmente en nombre del grupo, ya que nunca había sido su política el aceptar las invitaciones oficiales.[118] The Beatles se dieron cuenta pronto de que el régimen de Marcos no estaba acostumbrado a tomar un "no" por respuesta. Como resultado de esto, tuvieron que escapar del país a causa de los disturbios que se habían ocasionado.[119]
Al poco tiempo, a punto de comenzar la tercera gira por Estados Unidos, se encontraron con la reacción furibunda de algunos de los religiosos y conservadores de aquel país, debido a un comentario que Lennon había hecho el marzo pasado: en una entrevista con la periodista británica Maureen Cleave,[120] opinó que la religión cristiana estaba por entonces en franco declive, y que The Beatles eran en ese momento más populares que Jesucristo.[121] [122] El comentario pasó prácticamente desapercibido en Inglaterra, pero cuando en Estados Unidos la revista Datebook publicó lo sucedido, se creó una gran controversia entre los grupos religiosos del sur de Estados Unidos.[123] Al mismo tiempo, ocasionó también que en Sudáfrica el gobierno prohibiera la publicación de grabaciones de The Beatles, acta que se extendió hasta 1971.[124] Epstein criticó públicamente a Datebook, diciendo que habían interpretado las palabras de Lennon fuera de contexto.[125] Finalmente, Lennon tuvo que disculparse públicamente por su comentario en una conferencia de prensa en Chicago el 11 de agosto de 1966.[125]
Revolver y el Sgt. Pepper
Rubber Soul suponía un gran paso hacia adelante en la música de The Beatles; Revolver, lanzado en agosto de 1966, una semana antes de su última gira, significó otro paso más hacia adelante para el grupo.[126] Pitchfork lo identifica como "el sonido de una banda creciendo con suprema confianza" y "la redefinición de lo que cabía esperar de la música popular".[53] En Revolver se destacan las sofisticadas composiciones y un repertorio muy amplio de estilos musicales, que van desde innovadores arreglos de cuerda clásica hasta el rock psicodélico.[126] Abandonando la típica fotografía que hasta ese momento era norma, la portada del álbum —diseñada por Klaus Voormann, un amigo que conocían desde sus días en Hamburgo— consistió ahora en un "collage artístico en blanco y negro que tenía caricaturizada la imagen de The Beatles en un corral de tinta al estilo de Aubrey Beardsley".[126] El álbum fue precedido por el sencillo "Paperback Writer", con "Rain" en la cara B del disco. The Beatles rodaron cortometrajes promocionales para ambas canciones, que están considerados "entre los primeros videos musicales de verdad en filmarse en aquella época",[127] y que fueron transmitidos en los programas Top of the Pops y The Ed Sullivan Show.[128] [129]
Uno de los temas más experimentales de Revolver fue "Tomorrow Never Knows", cuya letra fue inspirada por el libro The Psychedelic Experience: A Manual Based on the Tibetan Book of the Dead, de Timothy Leary. En la creación de la canción se vieron involucradas ocho pletinas distribuidas por el edificio de estudio de grabación, cada una manejada por un ingeniero o un miembro de la banda, que variaba aleatoriamente el movimiento del bucle de una cinta.[130] "Eleanor Rigby", de McCartney, contiene un uso prominente de un octeto de cuerda en la canción; el tema ha sido descrito como "un verdadero híbrido musical, ya que no es reconocible algún estilo o género concreto en la canción".[131] Harrison se estaba desarrollando como compositor, y tres de sus composiciones habían ganado lugar en el álbum. En 2003, Rolling Stone situó a Revolver como "el tercer mejor álbum de todos los tiempos".[112] En la gira que siguió en Estados Unidos, The Beatles no tocaron ninguna de las canciones del álbum.[132] The Beatles dieron su último concierto en vivo el 29 de agosto de 1966 en el Candlestick Park de San Francisco.[133] Marcó el final de un período de cuatro años dominado por giras que incluyeron cerca de 1400 apariciones en conciertos a nivel internacional.[134]

Inscripción a la entrada del parque Strawberry Fields, lugar que inspiraría una de sus más afamadas canciones; 2002.
En menos de siete meses, después de grabar Revolver, volvieron a los estudios de grabación de EMI el 24 de noviembre de 1966 para empezar a grabar su octavo álbum, Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band. Emerick recordó: "The Beatles insistieron en que todo en el Sgt. Pepper tenía que ser diferente. Teníamos instalados micrófonos dentro de las campanas de los instrumentos de metal, y los auriculares se convirtieron en micrófonos unidos a los violines. Solíamos usar gigantes osciladores primitivos para variar la velocidad del sonido de los instrumentos y la voz, y teníamos cintas cortadas en pedazos y pegadas de nuevo aleatoriamente y al revés".[135] Algunas partes de "A Day in the Life" requirieron una orquesta de cuarenta personas.[135] Cerca de setecientas horas de tiempo de estudio se dedicaron a las sesiones. Primero se produjo el sencillo de doble lado A "Strawberry Fields Forever"/"Penny Lane" en febrero de 1967, el Sgt. Pepper le siguió en junio. La complejidad de las grabaciones musicales, creadas usando sólo tecnología de grabación a cuatro pistas, asombró a artistas contemporáneos que buscaban superar a The Beatles.[136] Para el líder de The Beach Boys, Brian Wilson, en medio de una crisis personal y dificultades para completar su ambicioso álbum Smile, el oír "Strawberry Fields" fue un duro golpe y pronto abandonó todos los intentos de competir con The Beatles.[137] [138] El Sgt. Peppers recibió la aclamación de la crítica. En 2003, la revista Rolling Stone lo situó como el mejor álbum de todos los tiempos,[112] y es ampliamente considerado como una obra maestra.[139] Jonathan Gould lo describe como
"un rico, prolongado, y desbordante trabajo de una colaboración genial cuya ambición audaz y sorprendente originalidad ensancha notablemente las posibilidades y aumenta las expectativas de la experiencia de escuchar la música popular en lo que podría ser historia. Sobre la base de esta percepción, el Sgt. Pepper se convirtió en el catalizador de una explosión de gran entusiasmo por el formato utilizado en un álbum de rock, que iba a revolucionar tanto la estética y la economía de la industria discográfica de manera que sobrepasa las anteriores explosiones pop provocadas por el fenómeno de Elvis de 1956 y el fenómeno de la Beatlemanía de 1963".[139]
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band es probablemente el álbum más famoso por su portada en la historia de la música popular.[140] Fue uno de los primeros en su género en incluir las letras de las canciones en su funda.[141] Esas letras fueron objeto de intenso análisis, los fans especularon, por ejemplo, que el "célebre Señor K." en "Being for the Benefit of Mr. Kite!" de hecho podría ser el escritor de ficción surrealista Franz Kafka.[142] El crítico literario norteamericano y profesor de inglés Richard Poirier escribió un ensayo, Aprender de The Beatles, en el que señalaba que sus estudiantes estaban "escuchando la música del cuarteto con tal grado de compromiso, que él, como maestro de literatura, solo podía envidiarles".[142] McCartney dijo en una vez: "Nosotros escribimos canciones. Sabemos lo que queremos decir en ellas. Pero en una semana alguien más dice algo al respecto, y no lo puedes negar [...] tú pones tu propio significado a tu propio nivel a nuestras canciones".[142] La sorprendentemente buena elaboración de la portada del Sgt. Pepper's ocasionó gran interés y un estudio profundo sobre ella.[143] Los bigotes que en esta época llevaban se convirtieron rápidamente en un sello distintivo del estilo hippie.[144] El historiador cultural Jonathan Harris describió "el coloreado intenso y paródico de los uniformes militares" usados por The Beatles en el disco como una visualización de su manifestación anti autoritaria y anti sistema.[145]
El 25 de junio transmitieron su más reciente sencillo, "All You Need Is Love", a los televidentes de todo el mundo a través de Our World, el primer programa transmitido vía satélite para todo el mundo.[146] Su aparición en medio del Verano del amor hizo que la adoptasen como himno del flower power.[147] [148] Dos meses después sufrieron una pérdida que lanzó su carrera al caos. Después de ser presentados al Maharishi Mahesh Yogi, viajaron a Bangor (Gales) para retirarse de la meditación trascendental. Durante el retiro, el asistente de Epstein, Peter Brown, llamó para informarles de que Epstein había muerto.[149] El médico forense dictaminó que su muerte fue ocasionada por una sobredosis accidental, pero en general se rumorea que se descubrió una nota de suicidio entre sus bienes.[150] Epstein había estado en un estado emocional frágil, tanto por cuestiones personales como por el estado de su relación de trabajo con The Beatles.[151] Le preocupaba que no hubiesen renovado su contrato de gestión, que expiraba en octubre, basado en el descontento que tenían con su supervisión en los asuntos de negocios. Se expresaron dudas concretas sobre Seltaeb, la empresa que manejaba los derechos de comercialización de The Beatles en los Estados Unidos.[150] La muerte de Epstein los dejó desorientados y temerosos por su futuro. Poco después, Lennon dijo: "No tuve conceptos erróneos acerca de nuestra capacidad para hacer otra cosa que tocar música y tenía miedo".[152] Recapitulando, comprendió que la muerte de Epstein sería el comienzo del fin del grupo: "Sabía que estábamos en apuros [...] entonces pensé, estamos jodidos a partir de este momento".[153]
Magical Mystery Tour, The White Album y Yellow Submarine
Magical Mystery Tour, la banda sonora de una remota película para televisión preparada por The Beatles, apareció como un doble EP de seis temas a principios de diciembre de 1967.[154] En los Estados Unidos las seis canciones aparecieron en un LP titulado de la misma manera, en el que se incluyeron también los temas de sus últimos sencillos. Allmusic opina sobre el Magical Mystery Tour americano: "El sonido psicodélico de este disco está muy al par del Sgt. Pepper, e incluso se encuentra más acentuado en algunas partes de él (especialmente en los collages de sonido de "I Am The Walrus")", y califica a sus cinco canciones extraídas de los sencillos que publicaron en 1967 como "enormes, gloriosas, e innovadoras".[155] El álbum estableció un nuevo récord en sus primeras tres semanas de venta inicial en los Estados Unidos, el más alto de cualquier otro LP de Capitol, y es una compilación de Capitol que después fue adoptada en el canon oficial de los álbumes de estudio de The Beatles.[156] Transmitida el Día de San Esteban, la película Magical Mystery Tour, dirigida básicamente por McCartney, les trajo la primera crítica negativa por parte de la prensa del Reino Unido, con artículos despreciativos hacia su filme. Fue llamada "una indudable basura" por el Daily Express, que la describió como "una sucesión de imágenes sin editar mostrando a un grupo de gente subiendo y bajando de un autobús y viajando todo el tiempo en él".[157] Sin embargo, el Daily Mail la calificó como "un proyecto vanidoso", mientras que The Guardian la calificó como "una especie de juego de fantasía moral sobre la grosería, la calidez y la estupidez de la audiencia".[157] Le fue tan rotundamente mal que pudo haber sido cancelada en los Estados Unidos en ese momento.[158] En enero, filmaron un corto para la película animada Yellow Submarine, una versión animada y fantasiosa de The Beatles. La otra y última participación que llevaron a cabo en la película fue con la contribución de varias grabaciones de estudio inéditas. Estrenado en junio de 1968, el filme fue bien recibido por su innovador estilo visual y humorístico, además de su música. Sin embargo, tuvieron que pasar siete meses hasta que se publicó la banda sonora de la película.

John Lennon y Paul McCartney durante la grabación del White Album, en 1968.
Entre tanto, apareció lo que sería el álbum The Beatles, un doble LP popularmente conocido como el White Album —Álbum Blanco— debido a su funda totalmente blanca. La inspiración creativa para este trabajo llegó de un lugar inesperado, cuando, faltando la presencia rectora de Epstein, regresaron con Maharishi Mahesh Yogi para hacerlo su gurú.[159] En su ashram en Rishikesh, India, la impartición de un "curso-guía" de tres meses se convirtió en uno de sus períodos más creativos, produciendo allí un gran número de canciones, incluyendo la mayor parte de las treinta grabadas para el álbum.[160] Starr se marchó después de diez días de estancia, haciendo comparación del lugar con un campamento familiar de verano, y McCartney finalmente se aburrió con el procedimiento de sus compañeros en aquel lugar y se fue un mes después.[161] Para Lennon y Harrison la creatividad se tornó en cuestionamiento cuando Yanni Alexis Mardas, técnico de electrónica conocido como Magic Alex, sugirió que el Maharishi estaba tratando de manipularles.[159] Después de que Mardas alegara que el Maharishi había hecho proposiciones sexuales a varias asistentes, Lennon quedó convencido y se fue abruptamente, llevándose a Harrison y al resto de la comitiva consigo.[161] En su ira, Lennon escribió una canción llamada "Maharishi", pero luego la modificó para evitar una demanda legal, convirtiéndola en la canción "Sexy Sadie".[159] McCartney dijo: "Hemos cometido un error. Pensábamos que había algo más en el Maharishi de lo que realmente había".[159]
Durante las sesiones de grabación para el álbum, que se extendieron desde fines de mayo hasta mediados de octubre de 1968, las diferencias y los desacuerdos comenzaron a dividirlos. Starr los dejó por un tiempo, lo que hizo que siguiesen adelante con McCartney tocando la batería en varios temas.[162] El romance de Lennon con la artista vanguardista Yōko Ono contribuyó a crearles tensiones, haciendo que Lennon perdiese el interés en escribir canciones con McCartney.[163] Desobedeciendo el acuerdo que ellos mismos establecieron de no llevar parejas al estudio, Lennon insistió en llevar a Ono a todas las sesiones de grabación, situación que no le agradaba a Harrison.[164] También era cada vez más despectivo con los aportes creativos de McCartney, al que empezó a identificar como autor de "música para abuelitas", calificando la canción "Ob-La-Di, Ob-La-Da" como "música-basura para abuelitas".[165] Recordando las sesiones del White Album, Lennon ofreció un curiosamente abreviado resumen de la historia que había vivido con sus compañeros a partir de ese momento, diciendo: "Es como si sacaras cada tema de ahí y lo convirtieras en todo mío y todo de Paul [...] solamente yo con músicos de acompañamiento por un lado y Paul igualmente por otro; y me lo pasé bien. Entonces fue cuando nos disolvimos".[166] McCartney también recordó que las sesiones marcaron los comienzos de la ruptura, diciendo: "Hasta ese momento, el mundo era un problema, pero nosotros no lo éramos", lo cual siempre había sido "la mejor cosa de The Beatles".[167] Publicado en noviembre, el White Album fue el primer disco que Apple Records les editó. La etiqueta consistía en una empresa de Apple Corps, formada por el grupo a su regreso de la India, cumpliendo así un plan previo de Epstein de crear una estructura empresarial efectiva para administrar mejor los impuestos a pagar.[168] El álbum atrajo más de dos millones de pedidos anticipados, vendiendo casi cuatro millones de copias en los Estados Unidos en poco más de un mes, y sus temas dominaron las listas de las emisoras de radio estadounidenses.[169] A pesar de su popularidad, no recibió comentarios halagadores en su época. Según Jonathan Gould,
"La respuesta de la crítica [...] osciló entre la confusión y el desencanto. En intenso contraste con Sgt. Pepper, que había contribuido a establecer todo un género de crítica erudita de rock, el White Album no inspiró literatura crítica digna de mención. Incluso los recensores más simpatizantes [...] claramente no sabían qué hacer con esta efusión amorfa de canciones. Hubert Saal, del Newsweek, citó la alta proporción de parodias, y los acusó de exceso de ironía soterrada".[169]
La opinión general de la crítica se decantó finalmente a favor del White Album, y en 2003 la revista Rolling Stone lo consideró el décimo mejor álbum de todos los tiempos.[112] Pitchfork describe el álbum como "grande, rebosante de ideas y lleno de una enorme variedad musical [...] sus defectos son tan esenciales a su carácter como sus virtudes".[170] Allmusic señala: "Claramente, las dos fuerzas compositoras de The Beatles ya no estaban en la misma página, pero tampoco lo estaban George y Ringo"; a pesar de todo "Lennon crea una de sus dos mejores baladas, las letras de las canciones de McCartney son sorprendentes", es visible que Harrison se ha convertido en "un compositor que merecía una demostración más amplia" y la composición de Starr es "un placer".[171]
Para ese entonces, el interés por las letras de The Beatles estaba tomando un aspecto serio. Cuando la canción de Lennon "Revolution" se había publicado como sencillo en agosto, como anticipo del White Album, su mensaje parecía claro: "libera tu mente" y "no cuentes conmigo" de plática alguna sobre la destrucción como medio para un fin.[172] En un año caracterizado por protestas estudiantiles que se extendían desde Varsovia hasta París y Chicago, la respuesta de la izquierda radical fue mordaz.[173] Sin embargo, la versión de la canción en el White Album, "Revolution 1", añadía una palabra extra: "count me out... in" (traducible por: "no cuentes conmigo..., cuenta conmigo"), lo que implicaba un cambio de ideas desde la publicación del sencillo. De hecho, la cronología se había invertido: la ambigua versión del álbum se había grabado antes: pero algunos creyeron que The Beatles ahora decían que la violencia política podía ser, a pesar de todo, justificable.[174]
El LP Yellow Submarine apareció finalmente en enero de 1969. Contenía sólo cuatro de sus canciones inéditas, junto a la pista del título, ya aparecida en Revolver; una canción de Magical Mystery Tour; y siete piezas instrumentales compuestas por George Martin. Debido a la escasez de música nueva que la agrupación proporcionaba, Allmusic sugirió que quizás el álbum "no fuese esencial", salvo por el tema "It's All Too Much" de Harrison, "la joya de las nuevas canciones [...] resplandecida por un mellotron envolvente, una percusión increíble, y un feedback de guitarra fastuoso [...] una excursión virtuosa en la por otra parte confusa psicodelia reinante".[175]
El proyecto de Let It Be, Abbey Road y la separación
Artículo principal: Separación de The Beatles

Edificio de Apple en el nº 3 de Savile Row (2007, aprox.).

John Lennon cantando "Give Peace a Chance", en 1969.
Aunque Let it Be fue el último álbum que lanzaron, la mayor parte de su contenido fue grabado antes de Abbey Road. Inicialmente llamado Get Back, Let It Be se originó de una idea que Martin atribuye a McCartney: preparar nuevo material e interpretarlo por primera vez en un concierto, grabarlo para un nuevo álbum y filmar sus sesiones de grabación.[176] En este caso, mucho del contenido del disco vino del trabajo en estudio, muchas horas de las cuales fueron capturadas en película por el director Michael Lindsay-Hogg. Martin dijo que los ensayos y la grabación para el proyecto, que ocuparon gran parte de enero de 1969, "no eran en absoluto una experiencia feliz. Fue una época en la que las relaciones entre los miembros de The Beatles estaban en su punto más bajo".[176] Agravado por las relaciones entre McCartney y Lennon, Harrison abandonó los ensayos durante una semana. Regresó con el teclista Billy Preston, que participó en los últimos diez días de las sesiones del álbum y que fue acreditado en el sencillo "Get Back", el único músico en recibir tal reconocimiento en una grabación oficial de The Beatles. Pensando en la localización para realizar el concierto, quedaron estancados, rechazando, entre otros escenarios, un barco en el río Támesis, el desierto de Túnez y el Coliseo de Roma. Finalmente, acompañados por Preston, llevaron a cabo y filmaron la actuación en la azotea del edificio de Apple Corps en el 3 de Savile Row, Londres, el 30 de enero de 1969.[176]
El ingeniero Glyn Johns trabajó durante meses reuniendo varias iteraciones posibles para poder publicar un álbum definitivo de Get Back, mientras que ellos trataban otros asuntos. El problema llegó con la necesidad de nombrar un asesor financiero, necesidad que se había hecho evidente al no estar ya Epstein para gestionarles sus asuntos de negocio. Lennon estaba a favor de Allen Klein, que había negociado los contratos de The Rolling Stones y otras bandas del Reino Unido durante la invasión musical británica en los Estados Unidos. La elección de McCartney fue John Eastman, hermano de Linda Eastman, con quien McCartney se casaría el 12 de marzo de 1969 (ocho días antes de que lo hicieran Lennon y Ono).[177] No se pudo llegar a ningún acuerdo, así que ambos candidatos fueron nombrados para el mismo puesto. A causa del conflicto, se perdieron varias oportunidades de operaciones financieras.[177]
Martin se sorprendió cuando McCartney se puso en contacto con él y le pidió que produjera un nuevo álbum, ya que las sesiones de Get Back habían sido —según el productor— "una experiencia desagradable" y que había "pensado que era el final del camino para todos nosotros [...] se habían convertido en personas desagradables - para ellos mismos como para las demás personas".[178] Las sesiones de grabación de Abbey Road iniciaron a finales de febrero de 1969. Lennon rechazó el formato propuesto por Martin de "una obra musical continua", y quería que sus propias canciones y las de McCartney ocuparan partes separadas del álbum.[178] El formato final, con canciones individuales en la primera parte y la segunda comprendiendo un largo medley, fue un concepto sugerido por McCartney.[178] El 4 de julio, mientras iba progresando el trabajo en el álbum, apareció el primer sencillo de un miembro de The Beatles en solitario: "Give Peace a Chance" de Lennon, acreditado a la Plastic Ono Band. La complementación de "I Want You (She's So Heavy)", de Abbey Road, el 20 de agosto, fue la última vez que los cuatro Beatles estuvieron juntos en el mismo estudio. Lennon anunció su retirada de la formación el 20 de septiembre de 1969; pero se llegó a un acuerdo por el cual no se haría ningún anuncio público hasta que no se resolvieran algunos asuntos legales pendientes que tenía profesionalmente con sus compañeros.
Lanzado seis días después de la declaración de Lennon, Abbey Road vendió cuatro millones de copias en dos meses y encabezó las listas del Reino Unido durante once semanas.[179] Su segunda pista, la balada "Something", se publicó también como sencillo, la primera y única composición de Harrison en aparecer como un lado A en los sencillos de The Beatles.[180] Abbey Road recibió críticas muy variadas, aunque el medley se llevó el aplauso general.[181] Allmusic considera que es "un oportuno canto de cisnes por el grupo" con "algunas de los mejores armonías que pueden ser oídas en cualquier disco de rock".[182] MacDonald lo llamó "errático y, a menudo hueco": "Si no hubiera sido por la entrada de McCartney como diseñador del largo medley [...] Abbey Road carecería de la semblanza de unidad y coherencia que hace que parezca mejor de lo que es".[183] Martin lo colocó como su favorito entre todos los álbumes que ellos habían producido; Lennon dijo que era "competente", pero "no tenía vida en él", llamando a "Maxwell's Silver Hammer" "más de la música de abuela de Paul".[184] [185] El ingeniero de grabación Geoff Emerick señaló que la sustitución de la válvula en la mezcladora de audio del estudio hizo que el transistorizado produjese un sonido con menos garra, dejando a los músicos frustrados por el tono más delgado y la falta de efecto.[186]
El 3 de enero de 1970 se grabó la última nueva canción de The Beatles, "I Me Mine", de Harrison, para el aún incompleto álbum Get Back. No había participado Lennon, que se encontraba entonces en Dinamarca.[187] Para completar el álbum, ahora retitulado Let It Be, Klein dio en marzo las cintas de grabación de Get Back al productor estadounidense Phil Spector. Conocido por su característico muro de sonido, Spector había producido recientemente el sencillo en solitario de Lennon "Instant Karma!". Además de remezclar el material de Get Back, Spector editó, empalmó y sobregrabó en varias de las pistas que The Beatles habían concebido como grabaciones "en vivo". McCartney estaba insatisfecho con el tratamiento que Spector le dio al material, y particularmente con la orquestación en "The Long and Winding Road", que involucró a un conjunto de un coro y una orquesta de treinta y cuatro piezas instrumentales. Por ello, intentó sin éxito detener el lanzamiento del álbum en la versión de Phil Spector.[188] Finalmente, McCartney anunció públicamente la separación del grupo el 10 de abril de 1970, una semana antes de la publicación de su primer álbum en solitario, McCartney. Las primeras copias de su álbum debut en solitario incluían una nota de prensa con una autoentrevista explicando el final de The Beatles y su esperanza cara al futuro.[189]
El 8 de mayo se lanzó el álbum Let It Be, producido por Spector. El sencillo que lo acompañaba, "The Long and Winding Road", fue la última publicación en la que aparecieron en los Estados Unidos, pero no en Gran Bretaña. El documental Let It Be le siguió más tarde en ese mes; en la ceremonia de los Óscares del siguiente año ganó el Óscar a la mejor banda sonora (mejor adaptación musical) de 1970 por la canción "Let It Be".[190] The Sunday Telegraph la calificó como "una película muy mala, pero al mismo tiempo enternecedora [...] sobre la ruptura de esta tranquila, geométricamente perfecta, y alguna vez atemporal familia de compañeros".[191] Más de una reseña crítica había comentado que algunas pistas de Let It Be sonaban mejor en la película que en el propio álbum.[191] Observando que Let It Be es el único álbum de The Beatles que solía ocasionar reseñas negativas, incluso hostiles, Allmusic lo describió como "en conjunto, un álbum menos valorado [...] McCartney, en particular, ofrece algunas joyas: la canción al estilo gospel "Let It Be", que contiene alguna de sus mejores letras; "Get Back", uno de sus temas más rockeros; y la melódica "The Long and Winding Road, arruinada por la sobreproducción de Spector".[192] McCartney presentó una demanda para la disolución de The Beatles el 31 de diciembre de 1970.[193] Las disputas legales continuaron mucho tiempo después de la ruptura, y la disolución de la asociación no surtiría efecto hasta 1975.[194] [195]
Después de la separación
1971-1980
Poco antes y después de su separación oficial, cada uno de ellos publicó álbumes en solitario, aunque algunos de sus discos contenían contribuciones de los otros miembros. Ringo (1973), de Ringo Starr, fue el único álbum que incluía composiciones e interpretaciones de todos ellos, aunque en canciones grabadas por separado. Harrison mostró su conciencia sociopolítica al arreglar el concierto para Bangladesh en la ciudad de Nueva York en agosto de 1971, junto al maestro de la cítara Ravi Shankar, ganando así respeto por su contribución a la ayuda de aquel país, devastado por la guerra (con el consiguiente refugio de una parte de la población al país vecino, la India), y un posterior desastre natural en forma de ciclón. Aparte de un inédito jam session de 1974 (aparecida después en el bootleg A Toot and a Snore in '74), Lennon y McCartney nunca más volvieron a grabar juntos.[196]
En 1973 se lanzaron dos dobles LP que contenían los grandes éxitos de The Beatles compilados por Allen Klein, 1962-1966 y 1967-1970.[197] Comúnmente conocidos como el Álbum Rojo y Álbum Azul, respectivamente, cada uno obtendría con el paso del tiempo un disco multi-platino en los Estados Unidos y una certificación de platino en el Reino Unido.[198] [199] Entre 1976 y 1982, EMI y Capitol lanzaron una oleada de álbumes recopilatorios de The Beatles sin la participación de ellos. El único de todos ellos que incluyó material inédito fue The Beatles at the Hollywood Bowl (1977), que contenía una selección de dos conciertos de The Beatles durante sus giras de 1964 y 1965 en los Estados Unidos. Todos estos discos recopilatorios fueron suprimidos del catálogo oficial Capitol-EMI —incluyendo The Beatles at Hollywood Bowl— al reeditarse la discografía original inglesa en CD para todo el mundo en 1987.[200]
La fama y música de The Beatles fueron explotadas comercialmente de diferentes maneras, fuera del control creativo de sus cuatro miembros. En 1977 se inauguró un musical en Broadway llamado Beatlemania. Era una revista nostálgica interpretada por cuatro músicos imitando a The Beatles y que gozó de una gran popularidad, de manera que se sonsacó de ella cinco producciones por separado para sus correspondientes giras mundiales.[201] [202] En 1977 The Beatles trataron infructuosamente de evitar el lanzamiento del álbum Live! at the Star-Club in Hamburg, Germany; 1962. Esta edición independiente contenía grabaciones que realizaron durante su estancia en Hamburgo, hechas con un equipo básico de grabación y un solo micrófono.[203] Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1978), una película musical protagonizada, entre otros, por los Bee Gees y Peter Frampton, fue un fracaso comercial y artístico.[204] En 1979, los cuatro músicos demandaron a los productores del musical Beatlemania, llegando a pedir varios millones de dólares de indemnización. "La gente creía que la música de The Beatles era del dominio público", dijo Harrison. "No se puede ir por ahí hurtando el material de The Beatles".[202]
1981-1990
Véase también: Muerte de John Lennon
John Lennon fue asesinado el 8 de diciembre de 1980, alrededor de las 22:49 h. de la noche, de cinco disparos hechos por Mark David Chapman a la entrada del edificio Dakota, donde el músico tenía su residencia en la ciudad de Nueva York.[205] Como tributo personal, George Harrison reescribió la letra de su canción "All Those Years Ago", un tema que versaba sobre su tiempo pasado con The Beatles, y que se había empezado a grabar un mes antes del asesinato de Lennon. Con McCartney y su esposa Linda aportando coros, y Starr tocando la batería, la canción fue publicada como sencillo en mayo de 1981.[206] En 1982, Paul McCartney publicó su álbum Tug of War, que contenía su tributo personal a Lennon en la canción "Here Today".
En 1988, The Beatles fueron incluidos en el Salón de la Fama del Rock and Roll durante su primer año de elegibilidad,[207] a la que asistieron Harrison y Starr, junto a la viuda de Lennon, Yōko Ono, y sus dos hijos, Julian y Sean. McCartney se negó a asistir, emitiendo un comunicado de prensa diciendo: "Después de 20 años, The Beatles todavía tienen algunas diferencias de negocios que yo hubiera deseado que ya hubieran sido resueltas para este momento. Desafortunadamente, no lo han sido, por lo que me sentiría como un completo hipócrita saludando y sonriendo con ellos en una falsa reunión".[208] [209] El año siguiente, EMI/Capitol puso fin a una demanda de diez años de duración que tenía con The Beatles referente a las regalías, allanando el camino para poder publicar comercialmente material inédito.[210] [211]
1991-2000
Live at the BBC, la primera publicación oficial de interpretaciones inéditas de The Beatles desde hacía 17 años, apareció en 1994. Ese mismo año, McCartney, Harrison y Starr se reunieron para el proyecto Anthology, la culminación de un trabajo iniciado a finales de los años 60 por Neil Aspinall.[212] Primero road manager y después asistente personal de The Beatles, Aspinall comenzó a reunir material para un documental después de haber llegado a director de Apple Corps en 1968.[212] The Long and Winding Road, como tenía titulado provisionalmente Aspinall su documento sobre The Beatles, fue archivado entonces de forma indefinida, hasta que, como productor ejecutivo del proyecto Anthology en los años 90, estuvo en condiciones de completar su trabajo.[212] Documentando la historia de The Beatles relatada por los propios miembros, el proyecto vio surgir algunas de sus grabaciones inéditas; McCartney, Harrison y Starr añadieron también nuevas partes instrumentales y vocales a dos canciones grabadas por Lennon a finales de la década de 1970.[213] Durante 1995 y 1996, el proyecto antológico dio lugar a un documental dividido en cinco partes destinado para la televisión; a una edición videográfica dividida en ocho volúmenes del mismo documental, pero expandido; y a tres álbumes doble contenedores de material musical mayormente inédito o remezclado. Posteriormente, en 2000, también daría lugar a un libro de gran tamaño y tapa dura con la historia de The Beatles relatada en primera persona por sus ex miembros. Las dos canciones basadas en las maquetas de Lennon, "Free as a Bird" y "Real Love", fueron lanzadas cada una como sencillo.[212] El diseño artístico de la portada tríptica de los álbumes musicales fue obra de Klaus Voorman, creador de la portada del álbum Revolver en 1966. Los lanzamientos fueron un éxito comercial y la serie de televisión fue vista por una estimada audiencia de 400 millones de personas en todo el mundo.[212]
2001-Presente
El 13 de noviembre de 2000 se publicó el álbum recopilatorio 1, que contenía todos los números uno británicos y estadounidenses de The Beatles. Se convirtió en el álbum con ventas más rápidas de todos los tiempos, con 3.6 millones de unidades vendidas en su primera semana y más de 12 millones en tres semanas en todo el mundo. Fue número uno en las listas de al menos 28 países, incluyendo el Reino Unido y los Estados Unidos.[214] Hasta abril de 2009 había vendido 31 millones de copias a nivel mundial, y es el álbum más vendido de la década en los Estados Unidos.[215] [216]
Harrison murió de cáncer de pulmón el 29 de noviembre de 2001.[217] [218] McCartney y Starr dos de los músicos que aparecieron en el Concert for George organizado por Eric Clapton y la viuda de Harrison, Olivia. El homenaje tuvo lugar en el Royal Albert Hall en el primer aniversario de la muerte de Harrison. Aparte de las canciones que compuso para The Beatles y para su carrera en solitario, el concierto incluyó también una celebración de la música tradicional hindú, en la cual Harrison tuvo interés, y con la que estuvo ampliamente influido.[219] En 2003 se lanzó Let It Be... Naked, una versión remodelada del álbum original Let It Be con la producción supervisada de McCartney, y que recibió reseñas diversas por parte de la crítica. Alcanzó el Top 10 tanto en el Reino Unido como en los Estados Unidos.
Como banda sonora para el espectáculo Love del Cirque du Soleil en Las Vegas, George Martin y su hijo Giles remezclaron y combinaron 130 grabaciones de la banda para crear "una manera de revivir toda la vida musical de The Beatles en un periodo muy condensado de tiempo".[220] El espectáculo se estrenó en junio de 2006, lanzándose el álbum Love en noviembre de ese mismo año. Atendiendo al primer aniversario del espectáculo musical, McCartney y Starr fueron entrevistados en el programa de televisión estadounidense Larry King Live junto a Yōko Ono y Olivia Harrison.[221] Asimismo, en 2007 circuló la noticia de que McCartney esperaba completar "Now and Then", una tercera maqueta de Lennon en la que se trabajó durante las sesiones de Anthology. Sería acreditada como una "composición de Lennon/McCartney" con la adición de nuevos versos, y disponiendo de una nueva pista de batería a cargo de Ringo Starr y grabaciones archivadas de George Harrison tocando la guitarra.[222]
En marzo de 2008 los abogados de The Beatles hicieron una demanda para evitar la difusión de grabaciones inéditas supuestamente hechas durante la primera aparición de Starr con el grupo en el Star-Club de Hamburgo en 1962.[223] En noviembre, McCartney habló de su esperanza de que "Carnival of Light", una grabación experimental de 14 minutos de The Beatles realizada en los estudios de grabación de EMI en 1967, recibiera una versión oficial.[224] El 4 de abril de 2009, McCartney encabezó un concierto caritativo en el Radio City Music Hall para la Fundación David Lynch, que incluía a Ringo Starr entre los demás invitados.[225]
El 9 de septiembre de 2009 se publicó The Beatles: Rock Band, un videojuego basado en las canciones de The Beatles,[226] al igual que las versiones remasterizadas de los doce álbumes de estudio británicos del grupo, más Magical Mystery Tour y la compilación Past Masters, presentada en sus versiones monoaural (por tiempo limitado) y estereofónica.[227]
Estilo musical y evolución
Véase también: Lennon/McCartney
En Icons of Rock: An Encyclopedia of the Legends Who Changed Music Forever, Scott Schinder y Andy Schwartz hablaron sobre la evolución musical de The Beatles:
"En su encarnación inicial, los Fab Four revolucionaron el sonido, estilo y actitud de la música popular y abrieron las puertas del rock and roll a toda una ola de sucesos de rock británico. Su impacto inicial hubiera sido suficiente para establecer a The Beatles como una de las fuerzas culturales con mayor influencia de su época, pero no se detuvieron allí. Aunque su estilo inicial fue muy original, con ritmos irresistiblemente pegadizos como el rock and roll y R&B, The Beatles pasaron el resto de la década de 1960 expandiendo las fronteras estilísticas del rock, siempre apostando a nuevos territorios musicales en cada versión. Su más sofisticada experimentación fue utilizada en una gran variedad de géneros, incluyendo el folk-rock, country, psicodelia, pop y barroco, sin sacrificar el atractivo esfuerzo de sus primeros trabajos".[228]
En The Beatles as Musicians, Walter Everett señaló el contraste que había entre Lennon y McCartney respecto a sus motivaciones y enfoques al componer: "McCartney se puede decir que estaba en desarrollo constante—como un medio de entretenimiento—un centrado talento musical con un oído de contrapunto y otros aspectos de la artesanía, demostrando un lenguaje común del que hizo mucho para enriquecer y ajustarlo universalmente. Por el contrario la música madura de Lennon es apreciada como el producto de una gran audacia inconsciente, buscando, pero de forma indisciplinada, la sensibilidad artística".[229]
Ian MacDonald hizo una comparación de los dos compositores en Revolution in the Head, describe a McCartney como "un compositor por naturaleza—un creador de melodías capaces de existir separadamente de su armonía". Sus líneas melódicas se caracterizan principalmente como "verticales", empleando todo, intervalos disonantes que reflejan su "extrovertida energía y optimismo". A la inversa, "el sedentarismo y la personalidad irónica" de Lennon se refleja en un enfoque "horizontal", intervalos disonantes y repetitivas melodías que se fían de su armonía para sacar un mayor provecho: "Básicamente un realista, él por instinto mantiene sus melodías cerradas para los ritmos y el progreso de su lenguaje, colorando sus letras con un tono de blues y una armonía que crea melodías sorprendentes hechas por su propia cuenta".[230] MacDonald alabó al papel de guitarra solista de Harrison por su trabajo en "líneas de calidad y texturas colorantes" tocando como soporte en las partes de Lennon y McCartney, y describe a Starr como "el padre de la batería en el pop/rock moderno [...] Su estilo, que parece estar ligeramente detrás del ritmo, es sutilmente impulsado por The Beatles, su afinación trajo los últimos fundamentos dentro del sonido de la batería, y su distintiva excentricidad seguirá permaneciendo entre lo más memorable de la música popular".[231]
Influencias
Las primeras influencias las obtuvieron de músicos como Elvis Presley, Little Richard y Chuck Berry, entre otros, cuyas canciones solían interpretar en numerosas ocasiones en sus actuaciones en vivo.[232] Durante su co-residencia con Little Richard en el Star Club de Hamburgo en abril de 1962, Richard les enseñó técnicas para mejorar sus canciones.[233] Sobre Presley, Lennon dijo: "Nada me había influenciado tanto hasta que escuche la música de Elvis. Si no hubiera existido Elvis, The Beatles tampoco hubieran existido".[234] Otras influencias de The Beatles en sus principios incluyen también a Buddy Holly, Eddie Cochran, Carl Perkins, Roy Orbison,[235] y The Everly Brothers.[236] [237] The Beatles continuaron recibiendo influencias a lo largo de su carrera musical, sobre todo de artistas contemporáneos, incluyendo a Bob Dylan, Frank Zappa, The Byrds y The Beach Boys, cuyo álbum de 1966, Pet Sounds, dejó sorprendido e inspirado a McCartney.[238] [239] Martin declaró: "Sin Pet Sounds, el Sgt. Pepper no habría ocurrido [...] Sgt. Pepper fue un intento de igualar a Pet Sounds".[240]
Géneros

The Beatles utilizaron pequeños amplificadores Vox en sus conciertos. Esta fotografía de 2005 muestra un bajo Höfner en forma de violín y una guitarra Gretsch, modelos utilizados por McCartney y Harrison respectivamente.
Originalmente comenzaron como grupo de estilo skiffle,[241] pero pronto se embarcaron en el rock and roll genuino de los años 50.[242] Conforme pasó el tiempo, su repertorio se fue ampliando hasta incluir una extensa variedad de música pop. Como reflejo de la variedad de estilos que exploraron, Lennon dijo sobre Beatles for Sale: "Tú podrías llamar a nuestra nueva creación LP regional y occidental",[243] mientras que Allmusic los acreditó, y en particular a Rubber Soul, como una de las principales influencias en la evolución del folk rock.[1] Comenzando con el uso de un cuarteto de cuerdas en "Yesterday" del álbum Help!, incorporaron también elementos de música clásica. Sin embargo, tal y como Jonathan Gould señala, este no fue "ni remotamente el primer disco pop en hacer uso prominente de cuerdas"—aunque sí fue la primera grabación de The Beatles en hacerlo [...] más bien, ocurrió que el sonido tradicional de las cuerdas permitió una nueva apreciación de su talento como compositores por aquellos oyentes que en cierto modo, sentían alergia al estruendo de las baterías y las guitarras eléctricas".[244] Hicieron uso de las cuerdas para crear distintos efectos. En "She's Leaving Home", por ejemplo, grabada para el Sgt. Pepper, Gould escribe que "está construida en el molde de una balada sentimental victoriana, sus palabras y la música se rellenan con los clichés del melodrama musical".[245]
El rango estilístico que promulgaban se expandió en otra dirección en 1966, con el lado B del sencillo "Paperback Writer": "Rain", descrita por Martin Strong en The Great Rock Discography como la primera grabación abiertamente psicodélica de The Beatles".[246] Le siguieron otras obras psicodélicas, tales como "Tomorrow Never Knows" (grabada antes de "Rain"), "Strawberry Fields Forever", "Lucy in the Sky with Diamonds", y "I Am the Walrus". La influencia de la música clásica india fue evidente en canciones de Harrison como "Love You To" y "Within You Without You", cuya intención, escribe Gould, era "reproducir los esquemas del raga en miniatura".[247] En resumen de su evolución musical, el historiador musical y pianista Michael Campbell identifica a la innovación como su característica más llamativa, escribiendo que: "'A Day in the Life' resume el arte y el éxito de The Beatles de forma única. Se destacan las principales características de su música: el sonido de la imaginación, la persistencia de la melodía armoniosa, y la estrecha coordinación entre las palabras y la música. Representa una nueva categoría de canción—más sofisticada que el pop, más accesible y práctica que el pop, y única e innovadora. Hay en ella, literalmente, lo que nunca antes había sido una canción—clásica o vernácula—que había mezclado tantos elementos dispares de una manera tan imaginativa".[248] El teórico musical Bruce Ellis Benson está de acuerdo con la opinión de Campbell: "Los compositores pueden ser capaces de crear nuevos ritmos y progresiones de acordes, pero generalmente son improvisaciones de ritmos y progresiones de acordes comunes. The Beatles [...] nos dan un ejemplo maravilloso de cómo influencias tan remotas como la música celta, rhythm and blues, y el country y western, podrían ser combinadas de un nuevo modo".[249]
En The Songwriting Secrets of The Beatles, (Los secretos de los Beatles escribiendo canciones) Dominic Pedler destacó también la importancia del modo en que combinaron los géneros: "Uno de los más grandes logros de The Beatles fue el malabarismo compositivo que desempeñaron durante la mayor parte de su carrera. Lejos de mudarse de un género a otro de manera secuencial (como a veces se sugiere a conveniencia), mantuvieron en paralelo su maestría con los éxitos tradicionales, pegadizos, a la vez que forjaban rock y se deleitaban con un amplio espectro de influencias periféricas, que abarcaba desde el country hasta el vodevil. Uno de estos hilos fue su adaptación de la música folk, que constituiría un trabajo tan esencial como base para sus posteriores colisiones con la música y filosofía india".[250] Como las relaciones personales entre los miembros eran cada vez más tensas, sus influencias individuales se hicieron más evidentes. La portada minimalista para el White Album contrasta con la complejidad y diversidad de su música, que abarca "Revolution 9" de John Lennon, cuya perspectiva de música concreta fue influenciada por Yoko Ono, la canción country de Starr "Don't Pass Me By"; la balada rock de Harrison "While My Guitar Gently Weeps" y el "rugido proto-metal" de "Helter Skelter" de McCartney.[171]
Contribución de George Martin
La estrecha participación que George Martin tuvo con los cuatro músicos en su papel de productor, le hizo ser uno de los principales candidatos para el título del "quinto Beatle".[251] Contribuyó a que la estructura musical clásica de la formación comenzase a evolucionar de manera diferente.[252] La idea de incluir un cuarteto de cuerdas en "Yesterday" fue suya, mientras que ellos mostraban poco entusiasmo sobre el concepto, pero el resultado final les resultó toda una sorpresa.[253] Gould también ha descrito esta situación, "al volverse Lennon y McCartney cada vez más ambiciosos en sus composiciones, Martin comenzó a funcionar como un gran profesor de música para ellos". Esto, junto con las ideas experimentales que tenía Martin, tales como agregar "algo barroco" a una grabación, les facilitó el desarrollo creativo.[253] Además de haber dirigido los arreglos orquestales para algunas grabaciones de The Beatles, Martin también colaboró tocando instrumentos musicales como el piano, el órgano y algunos instrumentos de viento-metal.[254]
Mirando hacia el pasado durante la creación del Sgt. Pepper, Martin dijo, "El 'Sargento Pimienta' ('Sergeant Pepper') en sí no aparece hasta la mitad de la elaboración del álbum, solo un ordinario tema de rock y no particularmente brillante como ocurre en otras canciones [...] Paul dijo: '¿Porque no hacemos el álbum como si la banda Pimienta (Pepper) realmente existiera, como si el Sargento Pimienta estuviera haciendo la grabación? Vamos a apodarnos así en los sucesos y elementos'. Yo amé la idea, y desde ese momento fue como si el Pepper tuviera vida propia". Recordando cómo la canción contrastó fuertemente con las composiciones de Lennon, Martin habló por otra parte de su propia influencia de estabilizador:
"En comparación con las canciones de Paul, que parecían tener algún tipo de contacto con la realidad, John tenía una psicodelia, de calidad casi mística [...] las metáforas de John son una de las mejores cosas en su trabajo—"árboles de mandarina", "cielos de mermelada", "flores de celofán" [...] Siempre lo vi como una fonética de Salvador Dalí, mejor dicho, que había alguna droga detrás del artista. Por otra parte, sería tonto fingir que en ese momento las drogas no figuraron ampliamente en sus vidas. Al mismo tiempo, ellos sabían que yo, en mi papel de maestro de escuela, no las aprobaba [...] No solo porque no formaban parte de mí mismo, no veía la necesidad de usarlas; y no hay duda, de que si yo también hubiera estado en la droga, Pepper nunca habría sido el álbum que fue".[255]
Harrison hizo énfasis de la descripción de Martin en su papel de estabilizador: "Creo que solo crecimos a través de los años juntos, él como el hombre recto y nosotros como los locos; pero él siempre estaba ahí para interpretar nuestras locuras—solíamos ser ligeramente vanguardistas en ciertos días de la semana, y allí estaba él como la persona de anclaje, para comunicarlo a través de los ingenieros y en las cintas".[256]
Trabajo en el estudio
The Beatles hicieron un uso innovador de la tecnología, tratando al estudio como un instrumento en sí mismo. Se instó a Martin y sus ingenieros de grabación a la constante experimentación, exigiendo regularmente usar algo nuevo porque "solamente de ese modo, algo puede sonar realmente bien".[257] Al mismo tiempo, la agrupación buscó nuevas maneras de crear y utilizar cosas más creativas en sus creaciones musicales, incorporando efectos tales como el eco de una botella de plástico y el acomodar una cinta en el lado opuesto para que la voz se reprodujera al revés.[258] El deseo que tenían para crear nuevos sonidos en cada grabación realizada, junto con las habilidades de organización de Martin y la experiencia de los ingenieros de estudio de EMI como Norman Smith, Ken Townsend y Geoff Emerick, contribuyeron significativamente a las grabaciones de Rubber Soul y, especialmente, Revolver.[259] Junto con los trucos de estudio, tales como efectos de sonido, emplazamientos de los micrófonos convencionales, loops de cinta, voces dobladas, variaciones de velocidad, The Beatles incluyeron en sus canciones instrumentos no convencionales para el rock de ese momento. Instrumentos de la India como la cítara en "Norwegian Wood (This Bird Has Flown)" y el swordmandel en "Strawberry Fields Forever".[260] También usaron instrumentos electrónicos tales como el mellotrón, con el que McCartney dio inicio al intro de "Strawberry Fields",[261] y el clavioline, un teclado electrónico que creaba el inusual sonido de un oboe en "Baby, You're a Rich Man".[262]
Legado
La influencia de The Beatles en la cultura popular fue—y sigue siendo—enorme. El ex editor asociado de la revista Rolling Stone, Robert Greenfield, dijo: "La gente sigue admirando a Picasso [...] a los artistas que rompieron los límites de su época para llegar a algo que era único y original. La manera en que se trabajó para la construcción de la música popular, nadie será más revolucionario, más creativo y más distintivo como lo fueron The Beatles".[226] Desde la década de 1920, los Estados Unidos habían dominado la cultura popular de entretenimiento en gran parte del mundo, a través de películas de Hollywood, el jazz, la música de Broadway y Tin Pan Alley y, más tarde, el rock and roll que surgió por primera vez en Memphis, Tennessee.[263] Basándose en sus raíces de rock and roll, no sólo desencadenedaron la invasión británica de los EE. UU., sino que se convirtieron en un fenómeno influyente a nivel mundial.[264]
Las innovaciones musicales de The Beatles así como su éxito comercial han inspirado a músicos de todo el mundo.[264] Un gran número de artistas los han reconocido como influencia en sus producciones o que han tenido éxitos con versiones de canciones de The Beatles.[265] En la radio, la llegada de los cuatro músicos marcó el inicio de una nueva era; directores de programas como Rick Sklar de la WABC de Nueva York, fueron tan lejos como para prohibir a los de DJs que tocaran la música "pre-Beatles".[266] The Beatles redefinieron el álbum musical como algo más que solo algunos éxitos completado con "relleno".[267] Fueron los primero en innovar el video musical.[268] Su concierto en el Shea Stadium que abrió su gira norteamericana, atrajo a lo que entonces era la mayor audiencia en la historia de los conciertos y es visto como un "acontecimiento histórico en el desarrollo del rock". La emulación de sus prendas de vestir y especialmente sus peinados, que se convirtieron en una marca de rebelión, tuvo un impacto global en la moda.[81]
En términos más generales, The Beatles cambiaron la forma de escuchar la música popular y experimentaron ese papel en sus propias vidas.[269] De lo que comenzó como el capricho de la Beatlemanía, el cuarteto llegó a ser percibido por sus jóvenes fans como los representantes, incluso los creadores, de los ideales asociados con la transformación cultural.[269] Como iconos de la contracultura de la década de 1960, se convirtieron en un catalizador de la bohemia y el activismo en diversos ámbitos sociales y políticos, inspiraron a movimientos tales como la liberación de la mujer, la liberación gay y el ecologismo.[269]
Premios y reconocimientos
En 1965, la Reina Elizabeth II nombró a los cuatro Beatles miembros de la Orden del Imperio Británico (MBE).[98] La película Let It Be (1970) de The Beatles, ganó un Óscar en 1971 por mejor Banda Sonora Original.[190] The Beatles han recibido 7 premios Grammy[6] y 15 premios Ivor Novello por sus discos.[7] Han sido certificados con 6 discos de diamante, así como 24 discos multi-platino, 39 discos de platino y 45 discos de oro en los Estados Unidos,[4] [270] mientras que en el Reino Unido tienen 4 discos multi-platino, 4 discos de platino, 8 discos de oro y 1 disco de plata.[199] El grupo fue introducido en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1988. En 2008, la revista Billboard publicó una lista de los 100 artistas con mayores ventas de sencillos, con motivo de celebrar el cincuenta aniversario de la lista de sencillos de Estados Unidos: The Beatles fueron colocados en el puesto número uno.[5] En 2009, la Recording Industry Association of America certificó que The Beatles habían logrado vender más discos en los Estados Unidos que cualquier otro artista.[198] The Beatles han tenido más álbumes número uno en el Reino Unido que cualquier otro artista musical (un total de 15 álbumes), sumando con ello un total de 174 semanas de permanencia en la primera posición de la lista musical.[3] De forma colectiva, fueron incluidos en la recopilación de la revista Time de las 100 personas más influyentes del siglo XX.[271]
Discografía oficial
Artículo principal: Discografía de The Beatles
Véanse también: Lista de canciones de The Beatles y Discos no autorizados de The Beatles
Álbumes de estudio británicos
Please Please Me (1963)
With The Beatles (1963)
A Hard Day's Night (1964)
Beatles for Sale (1964)
Help! (1965)
Rubber Soul (1965)
Revolver (1966)
Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967)
The Beatles (1968)
Yellow Submarine (1969)
Abbey Road (1969)
Let it Be (1970)
(Para Magical Mystery Tour, ver Lanzamientos en CD abajo.)
Lanzamientos en CD
Década de 1980
En 1987, EMI reeditó a nivel mundial todos los álbumes de estudio de The Beatles en formato CD, incluyéndose también en el canon oficial la versión estadounidense de Magical Mystery Tour, que en su origen fue un doble EP de seis canciones en el Reino Unido.[272] Todo el material restante de los sencillos y EP de The Beatles que no se habían publicado en los álbumes de estudio originales se juntaron en la recopilación en dos volúmenes de Past Masters (1988).
Década de 2000
Las configuraciones de los discos estadounidenses de 1964-65 fueron lanzados en una caja recopilatoria en 2004 y 2006 (The Capitol Albums Volume 1 y Volume 2, respectivamente); incluían las versiones estéreo y mono basadas en las mezclas preparadas para vinilo en el momento de la publicación original estadounidense de la música de The Beatles.[273] [274]
El 9 de septiembre de 2009 después de un extenso proceso de remasterización digital que duró cuatro años, se volvió a publicar todo su catálogo musical.[272] Las ediciones estereofónicas de los doce álbumes originales fueron lanzadas en CD, junto con Magical Mystery Tour y Past Masters, tanto individualmente como en una caja recopilatoria. Una segunda colección incluyó todos los títulos mezclados originalmente en mono, junto a las mezclas originales estereofónicas de Help! y Rubber Soul.[275] Por un tiempo limitado, también se incluyó un breve vídeo documental sobre la remasterización en cada CD.[276] En la revista Mojo, el crítico musical Danny Eccleston escribió: "Desde que The Beatles aparecieron por primera vez en CD en 1987, ha habido quejas sobre la calidad de sonido de su música en dicho formato". Apoyando la opinión de que el vinilo original tenía importantes ventajas sobre los primeros CD en cuanto a claridad sónica y dinamismo, sugirió: "Compara el sonido de "Paperback Writer"/"Rain" proveniente de un viejo vinilo de 45 rpm, con la versión incluida en el CD de Past Masters, y la diferencia está clara". Antes de la publicación de las remasterizaciones de 2009, los Estudios Abbey Road invitaron a los críticos de Mojo a escuchar una muestra del trabajo, avisando: "Están a punto de sufrir una conmoción," En su reseña sobre el producto final el día de su edición, Eccleston lo ratificó de forma "brillante, que así es cómo se siente todavía un mes después".[277]
Música digital
The Beatles son uno de los pocos artistas importantes cuyo catálogo musical no está disponible a través de servicios de música online como iTunes o Napster.[278] Parte del motivo es el litigio que hay entre Apple Corps y Apple Inc. (propietaria de iTunes) en el uso del nombre "Apple", aunque en noviembre de 2008 McCartney dijo que el obstáculo principal fue que EMI "quiere algo que nosotros no estamos dispuestos a darles".[279] En marzo de 2009, The Guardian informó que "la perspectiva de una tienda independiente, que se especifique en la música digital de The Beatles" ha sido planteada por el hijo de Harrison, Dhani, quien dijo: "Estamos perdiendo dinero todos los días [...] Así que, ¿qué hacer? Tienes que tener tu propio sistema de entrega, o tienes que hacer un buen trato con Steve Jobs (CEO de Apple Inc) [...] [Él] dijo que la descarga vale 99 centavos de dolar, y no estamos de acuerdo".[280] El 30 de octubre, Wired.com informó que un servicio en línea llamado Bluebeat, puso a disposición todo el catálogo de The Beatles, adquirible tanto en descargas como en libre reproducción.[281] Ni EMI ni Apple Corps habían autorizado la distribución,[282] y una semana después Bluebeat fue legalmente prohibido por el manejo de música de la banda.[283] En diciembre de 2009, el catálogo fue oficialmente lanzado en formato MP3, FLAC y en una edición limitada de 30.000 unidades flash USB.[284] [285]